La plaza de la Merced acogerá del 15 al 22 de marzo actividades de acceso libre para promover la integración y la inclusión
El Festival de Málaga junto al Ayuntamiento de Málaga -a través del Área de Derechos Sociales, Diversidad, Igualdad y Accesibilidad– organizan un año más, en colaboración con la Fundación ”la Caixa”, el Espacio Solidario. Este evento se celebrará del 15 al 22 de marzo en la plaza de la Merced en el marco del 28 Festival de Málaga.
El Espacio Solidario tiene como objetivo abrir el Festival a los diferentes colectivos sociales y fomentar su inclusión. Para ello, participarán 50 asociaciones y entidades sociales de la ciudad (10 más que el pasado año) que incentivarán y potenciarán la visibilidad de estos grupos ciudadanos. En esta séptima edición, tendrá de nuevo un modelo basado en actividades divulgativas (de acceso libre y gratuito) de las diferentes asociaciones que participan y cuya temática es muy variada. Por tanto, es una iniciativa transversal, con actividades de todo tipo (proyecciones, mesas redondas, talleres…) de temática inclusiva y social.
La concejala de Cultura y Patrimonio Histórico, Mariana Pineda; el concejal de Derechos Sociales, Diversidad, Igualdad y Accesibilidad, Francisco Cantos; el responsable territorial en Andalucía, Ceuta y Melilla de Fundación ”la Caixa”, Juan Carlos Barroso; la directora comercial de Caixabank en Málaga, Córdoba, Almería, Ceuta y Melilla, Carmen González Novo, y el director del Festival de Málaga, Juan Antonio Vigar, han presentado hoy en el Teatro Cervantes la programación del Espacio Solidario.
El programa de este espacio abordará muy diferentes temáticas a lo largo de las ocho jornadas de actividad, con temas como la soledad, la violencia, el suicidio, el medio ambiente, la infancia o la tercera edad.
Las entidades que participan este año son:
Nena Paine
Crecer con Futuro
Asociación Cultural Bollywoodmanía Málaga
Colegio Oficial de Psicología de Andalucía Oriental
Asociación Cultural Antonio Montes
Oxfam Intermón
Fundación IDILIQ
Asociación Malagueña Arte Para Todos
ANSEDH
Fundación Harena
Asociación DYAR
CEAR
UMAREFUGIA
FMAEC
Fundación Andrés Olivares
Fundación Tierra de Hombres
Cruz Roja
CODENAF
Fundación Telefónica
Asociación Española Contra el cáncer
UAPO
ONG DEBRA Piel de Mariposa
AD Málaga Dragón Boat BCS
Programa Incorpora de La Caixa
Asociación Lupus Málaga y Autoinmunes
Fundación Don Bosco Salesianos
Teléfono de la Esperanza
ALTAMAR
APAFIMA
Asociación Parkinson Málaga
Fundación Cibervoluntarios
ALCER Málaga
Federación Salud Mental Andalucía
Asociación Alhelí
INPAVI
AFA Málaga
Asociación Arrabal
Fundación Hermanas Hospitalarias Málaga
Manos Unidas
INCIDE
Fundación Héroes
Fundación Agua de Coco
Paz y Desarrollo
APROINLA
Fundación Alonso Quijano
Asociación Síndrome de Turner Andalucía
Ada Lovelace
Asociación Redime
Fundación Asha-Kiran
Glsufad España
Programa de actividades
Sábado 15
10:30 h: NENA PAINE. Los superCurrantes en los 60, 70 y 80. Interpretación musical y proyección
12:00 h: CRECER CON FUTURO. Personas que cambian vidas. Proyección y coloquio.
13:30 h: ASOCIACIÓN CULTURAL BOLLYWOODMANIA MÁLAGA. Anita Reina India: ritmo, inclusión e igualdad. Proyección y danza.
16:00 h: COLEGIO OFICIAL DE PSICOLOGÍA DE ANDALUCIA ORIENTAL. El novio de Tina, amor, control y violencia en la adolescencia. Proyección y coloquio.
17:30 h: ASOCIACIÓN CULTURA ANTONIO MONTES. Diversidad. Proyección, coloquio y danza.
19:00 h: OXFAM INTERMÓN. Los guardianes del agua, TEKUANAES. Proyección y coloquio
Domingo 16 03/03/2024
12:00 h: ACTO INAUGURAL
13:00 h: FUNDACIÓN IDILIQ. Vacaciones con corazón, un viaje de sueños y deseos cumplidos. Proyección y coloquio.
16:00 h: ASOCIACIÓN MALAGUEÑA ARTE PARA TODOS. La música que llevamos dentro. Proyección y coloquio.
17:30 h: ANSEDH. El reto solidario en las enfermedades raras. Proyección y coloquio.
Lunes 1704/03/2024
10:00 h: FUNDACIÓN HARENA. Voces olvidadas. Proyección y coloquio.
11:30 h: ASOCIACIÓN DYAR: Estableciendo conexiones. Proyección y coloquio.
13:30 h: CEAR. Asilo y refugio, la realidad supera la ficción. Proyección y coloquio.
16:00 h: UMAREFUGIA. Cortos que inspiran e historias que transforman. Proyección y coloquio.
17:30 h: FMAEC. Mis pilares de vida. Proyección y coloquio.
19:00 h: FUNDACIÓN ANDRÉS OLIVARES. Emma & Timoteo con los peques enfermos de cáncer. Proyección y coloquio.
20:30 h: FUNDACIÓN TIERRA DE HOMBRES. La participación de la infancia y la juventud en la defensa de los derechos. Proyección, coloquio y exposición.
4º día
Martes 18 05/03/2024
10:00 h: CRUZ ROJA Y FUNDACIÓN LA CAIXA. El valor de la comunidad en el abordaje de la soledad. Proyección y coloquio.
11:30 h: CODENAF. Es cine, es frontera. Proyección y coloquio.
13:00 h: FUNDACIÓN TELEFÓNICA. Reconectados, la tecnología no tiene edad. Proyección, taller y coloquio.
16:00 h: ASOCIACIÓN ESPAÑOLA CONTRA EL CÁNCER. El estado de ánimo en los tratamientos oncológicos. Proyección y coloquio.
17:30 h: VOLUNTARIADO CAIXABANK Y UAPO. Sendero Sulayr Solidario. Proyección y coloquio.
19:00 h: ONG DEBRA PIEL DE MARIPOSA. El caso de los intocables. Proyección y coloquio.
20:30 h: AD MÁLAGA DRAGÓN BOAT BCS. Y después del cáncer, ¿qué?, Málaga dragón. Proyección y coloquio.
5º día
Miércoles 196/03/2024
10:00 h: PROGRAMA INCORPORA DE LA CAIXA. Málaga sabe de cine. Proyección y concurso.
11:30 h: ASOCIACIÓN LUPUS MÁLAGA Y AUTOINMUNES. Hay un lobo entre nosotros. Proyección y coloquio.
13:00 h: FUNDACIÓN DON BOSCO SALESIANOS. Empleo en vidas de película. Proyección y coloquio.
16:00 h: TELÉFONO DE LA ESPERANZA. El suicidio en el cine. Proyección y coloquio.
17:30 h: ALTAMAR. Escenas de Altamar, jóvenes en acción. Proyección y taller interpretativo.
19:00 h: APAFIMA. Invisibilidad e incomprensión en Fibromialgia y fatiga crónica. Proyección y coloquio.
20:30 h: ASOCIACIÓN PARKINSON MÁLAGA. Vivir es la meta. Corriendo 100 millas con Parkinson.
Proyección y coloquio.
Jueves 20
10:00 h: FUNDACIÓN CIBERVOLUNTARIOS. Campamento digital. Taller y proyección.
11:30 h: ALCER MÁLAGA. ERC: La influencia de la expresión, del lenguaje y de la cultura en el proceso. Proyección y coloquio.
13:00 h: FEDERACIÓN SALUD MENTAL ANDALUCÍA. El viaje, Fundación Blanca. Proyección y coloquio.
16:00 h: ASOCIACIÓN ALHELÍ. Overwhelmed. Proyección y coloquio.
17:00 h: INPAVI. Aula familiar. Proyección y coloquio.
18:30 h: AFA MÁLAGA. Cortos para recordar. Proyección y coloquio.
Viernes 21
10:00 h: ASOCIACIÓN ARRABAL. La mujer en los oficios del cine. Proyección y coloquio.
11:30 h: FUNDACIÓN HOSPITALARIAS MÁLAGA. Perdóname. Proyección y taller.
13:00 h: MANOS UNIDAS. Los clipmetrajes de Manos Unidas en el Festival de Málaga. Proyección y coloquio.
16:00 h: INCIDE. Minidocumentales de héroes y heroínas locales. Proyección y coloquio.
17:30 h: FUNDACIÓN HÉROES. Héroes de verdad. Interpretación musical y proyección.
18:30 h: FUNDACIÓN AGUA DE COCO. Fanantenana, música para la esperanza. Proyección y coloquio.
20:00 h: PAZ Y DESARROLLO. Arte con propósito: agua para la vida. Proyección y teatro.
Sábado 22 09/03/2024
10:00 h: APROINLA. Misión en el Distrito 3. Proyección y coloquio.
11:30 h: FUNDACIÓN ALONSO QUIJANO. Un cuento en pantalla. Proyección y taller.
13:00 h: ASOCIACIÓN SÍNDROME DE TURNER ANDALUCÍA. Síndrome de Turner. Proyección y coloquio.
16:00 h: ADA LOVELACE. Tejiendo historias de cine. Proyección y taller.
17:30 h: ASOCIACIÓN REDIME. Historias de esperanza. Proyección, taller y coloquio.
19:00 h: FUNDACIÓN ASHA-KIRAN. Cómo sobreviví al Atlántico y cómo aprendí a revivir en España. Proyección y coloquio.
20:30 h: GLSUFAD ESPAÑA. Glsufad World Fashion & Dance Carnival – Awa. Proyección y Danza
Lawrence Kasdan construye una película triste y melancólica con toques de comedia. Un cine muy alejado a sus productos habituales.
William Hurt da vida a Macon Leary, un personaje triste, marcado, como no podía ser de otra manera, por la muerte de su hijo, que transita en la incomodidad. Él no encuentra el confort en la nada de lo que hace.
Sus crónicas de viajes son relatos del disgusto y del tedio. Guías de viaje para los que no les gusta viajar.
La relación con Sarah vive instalada en el reproche continuo y en la falta de sintonía. Más que convivencia es solo cohabitación.
Muriel es la luz, el sol que puede iluminar su vida, pero la tiniebla en la que habita Macon le impide deslumbrase por ese resplandor.
Una película que transita contra corriente, con un protagonista anodino y oscuro, lo más alejado del héroe que nadie pueda imaginar.
Me asombra la belleza de Kathleen Turner.
Me embraga el encanto de Geena Davis.
No quiero olvidar a Amy Wright que interpreta a Rose, esa persona que puede pasa desapercibida, pero que es absolutamente imprescindible en la vida de todos que la rodean.
Mi puntuación: 8,77/10.
Anécdotas y curiosidades de El turista accidental (1988)
Si hay una película que combina drama, humor y ternura con el toque justo de melancolía, esa es El turista accidental.
Estrenada en 1988 y dirigida por Lawrence Kasdan, esta cinta basada en la novela de Anne Tyler nos lleva de la mano de Macon Leary (William Hurt), un escritor de guías de viaje con una vida meticulosamente organizada… hasta que se cruza con Muriel Pritchett (Geena Davis), una entrenadora de perros que rompe todos sus esquemas.
Pero más allá de la historia, esta película esconde un montón de detalles interesantes que quizá no conocías. Así que acomódate bien y prepárate para descubrirlos.
🏆 Óscar y reconocimiento: el triunfo inesperado
La película fue nominada a cuatro premios Óscar: Mejor Película, Mejor Guion Adaptado, Mejor Banda Sonora y Mejor Actriz de Reparto. Y aquí viene el dato estrella: Geena Davis se llevó la estatuilla a casa por su interpretación de Muriel.
Curiosamente, Davis no era la favorita en las apuestas. Su papel de la excéntrica entrenadora de perros, que logra derretir el corazón de Macon, conquistó tanto al público como a la crítica.
Como dato extra, El turista accidental también se llevó el premio BAFTA al Mejor Guion Adaptado y fue un éxito de taquilla, recaudando más de 32 millones de dólares.
🎭 Una elección de casting casi diferente
Aunque hoy no podemos imaginar a otro Macon Leary que no sea William Hurt, lo cierto es que el papel se ofreció inicialmente a Harrison Ford. Ford rechazó el rol, y ahí es cuando Lawrence Kasdan, quien ya había trabajado con Hurt en Fuego en el cuerpo (1981) y Reencuentro (1983), supo que él era el indicado.
Y menos mal, porque Hurt supo transmitir esa mezcla de apatía, dolor y redención con una maestría impresionante.
📖 Geena Davis ya tenía la novela en el radar
En un giro casi profético, Geena Davis ya conocía la historia antes de ser elegida para el papel. Mientras trabajaba en otra película, solía leer en voz alta la novela de Anne Tyler a su entonces pareja, Jeff Goldblum, mientras él pasaba horas en la silla de maquillaje.
Poco podía imaginar Davis que terminaría interpretando a Muriel en la gran pantalla y ganando un Óscar por ello.
🎶 John Williams, un compositor fuera de su zona de confort
Cuando piensas en John Williams, seguro que te vienen a la mente sus grandes obras épicas: La guerra de las galaxias, Indiana Jones, Parque Jurásico… pero aquí se alejó de los temas grandilocuentes y creó una partitura mucho más contenida e íntima.
Su música en El turista accidental juega un papel clave para resaltar la soledad de Macon y la calidez que Muriel aporta a su vida. Aunque no es una de sus bandas sonoras más recordadas, sí demuestra la versatilidad del compositor.
🐶 El verdadero protagonista: el perro Edward
Si hay un personaje que roba escenas en esta película, es Edward, el perro de Macon. Su temperamento difícil es lo que lo lleva a conocer a Muriel, y de alguna manera, el adiestramiento del perro simboliza el cambio que su dueño también necesita.
Curiosamente, Edward no era un perro cualquiera. Fue entrenado específicamente para el rodaje y tuvo su propio entrenador en el set. Al parecer, se encariñó tanto con William Hurt que a veces se negaba a obedecer las órdenes de los demás.
🎬 El final alternativo que nunca vimos
En el guion original, el final era más ambiguo y dejaba la relación entre Macon y Muriel en el aire. Sin embargo, Lawrence Kasdan decidió darle un cierre más optimista, con Macon finalmente eligiendo a Muriel y dejando atrás su vida monótona.
Fue una decisión acertada, ya que el público conectó con esa sensación de renacimiento emocional.
Conclusión: una joya del cine de los 80
El turista accidental es una de esas películas que, sin hacer demasiado ruido, han dejado huella. Su combinación de drama y humor, su guion brillante y las actuaciones de un reparto en estado de gracia la convierten en una obra que vale la pena revisitar.
Y ahora que conoces todas estas curiosidades, seguro que la ves con otros ojos. ¿Cuál de estos datos te ha sorprendido más? ¡Cuéntamelo en los comentarios! 😉
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Dirigido por Lawrence Kasdan:
Lawrence Kasdan: el guionista y director que definió el cine de los 80 y 90
Cuando hablamos de grandes narradores del cine contemporáneo, pocos nombres destacan tanto como Lawrence Kasdan. Guionista, director y productor, ha sido pieza clave en sagas legendarias y ha dirigido algunas de las películas más memorables de las últimas décadas.
Desde su trabajo en Star Wars hasta sus historias más personales, Kasdan ha demostrado una capacidad única para capturar la complejidad de las relaciones humanas. Y entre todas sus obras, El turista accidental (1988) se alza como una de las más delicadas y conmovedoras.
En este artículo, repasaremos su trayectoria y nos detendremos en los detalles más interesantes de esta joya del cine.
🎬 Los inicios de un narrador nato
Lawrence Kasdan nació el 14 de enero de 1949 en Miami, Florida. Creció en Morgantown, Virginia Occidental, y desde muy joven sintió fascinación por la escritura.
Su sueño inicial era ser novelista, pero al graduarse en Literatura Inglesa en la Universidad de Míchigan, descubrió que no era fácil ganarse la vida con las palabras.
Antes de llegar a Hollywood, trabajó como redactor publicitario, perfeccionando su habilidad para contar historias de manera concisa y efectiva. Esta experiencia le fue invaluable cuando decidió lanzarse como guionista de cine.
Su gran oportunidad llegó cuando vendió su primer guion, El cazador de recompensas, a Warner Bros.. Aunque la película nunca llegó a rodarse, llamó la atención de George Lucas, quien buscaba un guionista para terminar el guion de Star Wars: Episodio V – El Imperio contraataca (1980) tras la muerte de Leigh Brackett.
Kasdan hizo un trabajo brillante y fue recompensado con otra tarea de peso: escribir el guion de En busca del arca perdida (1981), la primera aventura de Indiana Jones.
El éxito de estos proyectos lo catapultó en la industria y le permitió cumplir su sueño: dirigir sus propias películas.
🎥 El salto a la dirección: de Fuego en el cuerpo a El turista accidental
Su debut como director llegó con Fuego en el cuerpo (1981), un thriller erótico protagonizado por William Hurt y Kathleen Turner que revitalizó el cine negro. Su estilo elegante y su capacidad para escribir diálogos afilados lo convirtieron en un director a seguir.
A este éxito le siguió Reencuentro (1983), un drama coral sobre un grupo de amigos que se reúne tras el suicidio de uno de ellos. La película, con un reparto de lujo (entre ellos, Glenn Close, Jeff Goldblum y Kevin Kline), consolidó su reputación como un maestro de las historias humanas.
Kasdan continuó explorando distintos géneros con Silverado (1985), un western clásico con un toque moderno, antes de adentrarse en su obra más introspectiva: El turista accidental (1988).
🧳 El turista accidental: una joya sobre el duelo y las segundas oportunidades
Basada en la novela de Anne Tyler, El turista accidental es la historia de Macon Leary (William Hurt), un escritor de guías de viaje que vive atrapado en una rutina monótona tras la muerte de su hijo y la separación de su esposa Sarah (Kathleen Turner).
La vida de Macon da un giro inesperado cuando conoce a Muriel Pritchett (Geena Davis), una extravagante entrenadora de perros que lo ayuda a salir de su letargo emocional.
🔥 Más allá de El turista accidental: la evolución de Kasdan
Tras el éxito de El turista accidental, Kasdan siguió explorando el drama con Grand Canyon (El alma de la ciudad) (1991) y el western con Wyatt Earp (1994). También incursionó en la comedia romántica con French Kiss (1995), protagonizada por Meg Ryan y Kevin Kline.
En los años 2000, su carrera perdió algo de impulso, pero su regreso al universo de Star Wars lo puso de nuevo en el centro de atención. Coescribió Star Wars: El despertar de la Fuerza (2015) y Han Solo: Una historia de Star Wars (2018), demostrando que su talento para la aventura seguía intacto.
🎭 El legado de Lawrence Kasdan
Más allá de sus éxitos comerciales, Lawrence Kasdan ha dejado una huella imborrable en el cine.
Su habilidad para combinar emoción, humor e inteligencia en sus historias lo convierte en uno de los grandes narradores de su generación.
Su influencia se extiende a numerosos cineastas actuales, y muchas de sus películas han envejecido de manera impecable, especialmente El turista accidental, que sigue siendo una obra maestra sobre la fragilidad humana y la posibilidad de empezar de nuevo.
Si aún no la has visto, te recomiendo hacerlo cuanto antes. Y si ya la viste, ¿qué es lo que más te impactó de la película? ¡Déjamelo en los comentarios! 😉🎬
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Música de John Williams:
Aquí tienes un artículo extenso y detallado sobre John Williams, con toda la información que merece este maestro de la música cinematográfica. ¡Prepárate para un viaje épico por la historia del cine a través de sus notas! 🎼🎬
John Williams: El arquitecto sonoro del cine moderno
Si alguna vez has sentido escalofríos al escuchar una melodía en el cine, es muy probable que John Williams estuviera detrás de ella.
Sus composiciones han definido la identidad de sagas icónicas, han marcado generaciones y han convertido bandas sonoras en auténticos personajes dentro de las películas.
Con una carrera que abarca más de seis décadas, Williams es sinónimo de grandeza musical en Hollywood.
En este artículo, exploraremos su vida, su impacto en la industria cinematográfica y las historias detrás de sus bandas sonoras más memorables.
🎹 De Nueva York a Hollywood: Los primeros años de una leyenda
John Towner Williams nació el 8 de febrero de 1932 en Floral Park, Nueva York, en una familia con fuertes raíces musicales. Su padre, Johnny Williams, era percusionista en la CBS Radio Orchestra, lo que permitió al joven John estar expuesto desde niño al mundo de la música.
En 1948, la familia se trasladó a Los Ángeles, donde Williams asistió a la North Hollywood High School. Su talento para la música lo llevó a estudiar composición en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) y más tarde en la prestigiosa Juilliard School de Nueva York, donde se especializó en piano.
Durante su estancia en Juilliard, Williams trabajó como pianista de jazz en clubes nocturnos y se ganaba la vida como músico de sesión. Incluso llegó a tocar en grabaciones de leyendas como Henry Mancini.
Tras su formación académica, decidió que su verdadera vocación no era ser concertista, sino compositor. Regresó a Los Ángeles y comenzó a trabajar como arreglista en la industria cinematográfica.
🎼 Los inicios en Hollywood y su relación con el cine
En la década de 1950, John Williams trabajó como pianista de estudio para compositores de renombre como Bernard Herrmann y Franz Waxman. Su primer crédito como compositor en una película llegó en 1958 con Daddy-O, una cinta de serie B olvidada por el tiempo.
Durante los años 60, Williams compuso para numerosas series de televisión y películas menores. Uno de sus primeros éxitos fue la banda sonora de El valle de las muñecas (1967), que le valió su primera nominación al Óscar.
A finales de la década, su versatilidad lo llevó a componer la música para El violinista en el tejado (1971), adaptación cinematográfica del famoso musical de Broadway. Su trabajo en esta película le otorgó su primer Premio Óscar.
Sin embargo, el verdadero punto de inflexión llegó en 1974, cuando un joven director llamado Steven Spielberg le pidió que escribiera la música para su primera gran película: Loca evasión.
🦈 El gran salto a la fama: Tiburón y la era del blockbuster
En 1975, John Williams compuso la banda sonora de Tiburón, dirigida por Steven Spielberg. Su icónico motivo musical de dos notas, que evoca la presencia amenazante del tiburón, se convirtió en uno de los temas más reconocibles de la historia del cine.
Esta banda sonora le valió su segundo Premio Óscar y consolidó su reputación en Hollywood. A partir de aquí, su carrera explotó de manera espectacular.
🌌 El nacimiento de un mito: Star Wars y el regreso de la música sinfónica
Si hay una obra que inmortalizó a John Williams, esa fue Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza (1977).
George Lucas, creador de la saga, quería recuperar la majestuosidad de la música sinfónica en el cine, y Williams entregó una banda sonora épica que bebía de los grandes compositores clásicos como Wagner, Holst y Stravinsky.
El tema principal de Star Wars, con su poderosa fanfarria, se convirtió en una de las piezas más reconocibles del siglo XX. La banda sonora no solo ganó el Óscar, sino que fue seleccionada en 2005 por el American Film Institute como la mejor de todos los tiempos.
Desde entonces, Williams ha compuesto la música de casi toda la saga, con excepciones en algunos spin-offs. Su trabajo en El Imperio contraataca (1980) y El retorno del Jedi (1983) consolidó temas icónicos como “La Marcha Imperial” y “El tema de Yoda”.
🎻 Las bandas sonoras que definieron una era
A partir de Star Wars, John Williams se convirtió en el compositor más solicitado de Hollywood. Entre sus trabajos más icónicos destacan:
🎒 En busca del arca perdida (1981)
La fanfarria de Indiana Jones es otro de los temas inmortales de Williams. Su tono aventurero y enérgico se ha convertido en sinónimo del cine de acción clásico.
👽 E.T., el extraterrestre (1982)
Con una de las melodías más conmovedoras del cine, esta banda sonora ganó otro Óscar para Williams. La escena de la bicicleta volando con la luna de fondo es impensable sin su música.
🦕 Parque Jurásico (1993)
El majestuoso tema principal de esta película transmite a la perfección la sensación de asombro y grandiosidad ante la resurrección de los dinosaurios.
📜 La lista de Schindler (1993)
Uno de sus trabajos más emocionales y desgarradores. Su uso del violín solista, interpretado por Itzhak Perlman, le valió su quinto Óscar.
⚡ Harry Potter y la piedra filosofal (2001)
La saga del joven mago no sería lo mismo sin “Hedwig’s Theme”, una pieza mágica y misteriosa que encapsula el espíritu de Harry Potter.
🏆 Premios y legado
A lo largo de su carrera, John Williams ha sido nominado a:
53 premios Óscar (ganando 5).
25 Globos de Oro (ganando 4).
7 Premios BAFTA (ganando 7).
73 Premios Grammy (ganando 25).
Ha trabajado con directores legendarios como Steven Spielberg, George Lucas, Richard Donner, Chris Columbus y Oliver Stone.
Su influencia en la música cinematográfica es incalculable. Ha definido el sonido del blockbuster moderno y ha inspirado a generaciones de compositores.
A sus más de 90 años, John Williams sigue activo y componiendo, dejando claro que su legado seguirá vivo en el cine durante muchas décadas más.
🎶 Conclusión: El maestro de las emociones
Si el cine es un arte que combina imagen y sonido para transmitir emociones, John Williams ha sido su mayor arquitecto sonoro.
Sus partituras no solo acompañan películas, sino que las definen. Su música ha trascendido la pantalla y se ha convertido en parte de la cultura popular.
Y tú, ¿cuál es tu banda sonora favorita de John Williams? ¡Déjalo en los comentarios! 😉🎼🎬
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
En el número 2 de la calle Eugène Manuel, en París…
Al rededor de tres personajes muy diferentes pivota el relato de esta película.
Una niña de once años demasiado inteligente para su familia y su entorno que planea suicidarse el día de su “anniversaire“.
Una arisca, pero correcta, portera que esconde sensibilidad y cultura detrás de las puertas de su portería.
Un elegante, refinado y adinerado japonés que se afinca en ese inmueble de París.
Los tres, cada uno a su manera, son marginados. Los tres se atraen pues comparten inteligencia y el gusto por la cultura.
Paloma, la niña, además filma la realidad cotidiana con su cámara de super ocho, reflexionando sobre lo que ve y escucha. Realizando una dura crítica de la sociedad que la envuelve.
Paloma conoce la muerte, como anécdota y como dolor personal.
El film tiene un bonito aire de cuento trágico y cómico, sentimental y tierno.
Agradezco mucho la recomendación a mi amiga Gema, una joyita que gracias a ella he descubierto.
Mi puntuación: 8,77/10.
El erizo es una película francesa de 2009 dirigida por Mona Achache, basada en la novela La elegancia del erizo de Muriel Barbery.
La historia sigue a Paloma Josse (Garance Le Guillermic), una niña de once años que planea suicidarse en su duodécimo cumpleaños.Durante este tiempo, entabla amistad con Renée Michel (Josiane Balasko), la portera del edificio, y con Kakuro Ozu (Togo Igawa), un nuevo inquilino japonés.Estas relaciones le muestran una nueva perspectiva de la vida.
La película se estrenó en Francia el 3 de julio de 2009, logrando una recaudación cercana a los 11 millones de euros.
En España, se estrenó el 11 de diciembre del mismo año y fue galardonada en la Semana Internacional de Cine de Valladolid.Además, recibió el premio del público en el Festival Internacional de Cine de Seattle y fue la gran triunfadora del Festival Internacional de Cine de El Cairo, donde obtuvo cuatro premios, incluyendo el de mejor directora para Mona Achache.
La crítica recibió la película de manera mixta.Mientras que Manuel Yáñez Murillo de Fotogramas destacó las “magníficas interpretaciones” y la comparó con Améliepor su retrato idealizado de la Francia contemporánea,Jordi Costa de El País la calificó como “un sofisticado modelo de cursilería” y la consideró una de las películas más “repugnantes de la temporada”.
El elenco principal lo completan Anne Brochet como Solange Josse (madre de Paloma), Ariane Ascaride como Manuela López, Wladimir Yordanoff como Paul Josse (padre de Paloma) y Sarah Lepicard como Colombe Josse (hermana de Paloma).
El erizo es una reflexión sobre la amistad, la belleza oculta en lo cotidiano y la importancia de mirar más allá de las apariencias.
La película destaca por su narrativa sensible y las sólidas actuaciones de su reparto, ofreciendo una visión profunda de las relaciones humanas y la búsqueda de sentido en la vida.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Dirigido por Mona Achache:
Mona Achache: la sensibilidad cinematográfica de una narradora íntima
Introducción
Desde su debut como directora, Mona Achache ha demostrado una capacidad excepcional para contar historias con una sensibilidad profunda y una mirada que oscila entre la ternura y la crudeza.
Su cine se mueve entre el drama, la comedia y la exploración de lo íntimo, con un enfoque visual elegante y narrativamente sólido.
A lo largo de su carrera, ha sabido trasladar a la pantalla relatos de transformación personal, resiliencia y redescubrimiento, abordando con maestría temas como la infancia, la identidad y el dolor familiar.
Biografía
Mona Achache nació el 18 de marzo de 1981 en París, en el seno de una familia con una fuerte vinculación con la literatura y el cine.
Su madre, Carole Achache, fue una reconocida escritora y fotógrafa, mientras que su padre, Jean Achache, se desempeñó como director y guionista. Además, su abuela materna fue la escritora Monique Lange, y su abuelo materno, el historiador de la ciencia Jean-Jacques Salomon. Este entorno artístico influyó profundamente en su formación y desarrollo creativo.
Desde joven, Achache se interesó por la literatura y el teatro, explorando el lenguaje visual y narrativo antes de dedicarse al cine.
A los 20 años, dio un paso importante en su carrera al dirigir el documental Alma et les autres (2004), que exploraba la experiencia del parto.
La obra tuvo un impacto considerable en Francia, siendo utilizada en más de 500 maternidades para la preparación de futuros padres.
El suicidio de su madre en 2016 marcó un punto de inflexión en su trayectoria. Al revisar sus archivos personales, Achache descubrió cartas y documentos que revelaban abusos sexuales sufridos por su madre y su abuela. Esta revelación tuvo un fuerte impacto en su vida y la llevó a crear Little Girl Blue, una película documental que examina estas experiencias traumáticas y sus consecuencias generacionales.
Filmografía
A lo largo de su carrera, Mona Achache ha dirigido películas y series en las que combina sensibilidad narrativa, estética refinada y personajes complejos.
Su estilo se caracteriza por el uso de la introspección y el retrato de la transformación emocional de sus protagonistas.
Largometrajes
El erizo (Le Hérisson, 2009)
Este fue su debut en el largometraje y se convirtió en un éxito internacional. Adaptación de la novela La elegancia del erizo de Muriel Barbery, la película narra la historia de Paloma Josse, una niña de 11 años extremadamente inteligente que planea suicidarse en su duodécimo cumpleaños. Su encuentro con Renée Michel, la portera del edificio, y con Kakuro Ozu, un inquilino japonés, cambiará su perspectiva sobre la vida.
La película se estrenó en Francia el 3 de julio de 2009 y tuvo una gran acogida, recaudando más de 11 millones de euros a nivel mundial. En España, llegó a los cines el 11 de diciembre del mismo año y obtuvo el Premio del Público en la Semana Internacional de Cine de Valladolid. También ganó el Golden Space Needle en el Festival Internacional de Cine de Seattle.
Las gacelas (Les Gazelles, 2014)
En este largometraje, Achache cambia de registro y se adentra en la comedia, explorando las relaciones amorosas y la independencia femenina en la treintena.
La película sigue a Marie, una mujer que, tras romper con su pareja de toda la vida, se adentra en el mundo de las relaciones modernas, enfrentándose a la incertidumbre, la frustración y la autoexploración.
Corazones valientes (Cœurs vaillants, 2021)
Esta película histórica está basada en hechos reales y sigue a un grupo de niños judíos que buscan refugio durante la ocupación nazi en Francia. Inspirada en la historia personal de la abuela de Achache, Suzanne Achache-Wiznitzer, la película explora la infancia en tiempos de guerra y la lucha por la supervivencia. Con un guion emotivo y una dirección que enfatiza el punto de vista infantil, la película tuvo un buen recibimiento en festivales de cine europeo.
Little Girl Blue (2023)
Este docudrama es la obra más personal de Achache hasta la fecha. A raíz del suicidio de su madre, la directora descubre cartas y escritos que revelan una historia de abusos y traumas familiares ocultos. Para reconstruir la vida de su madre, Achache combina imágenes de archivo con una interpretación de Marion Cotillard, quien da vida a Carole Achache en pantalla. La película se estrenó en el Festival de Cannes 2023 y recibió elogios por su valentía y su innovador enfoque narrativo.
Cortometrajes
Suzanne (2005): Basado en la historia de su abuela, narra la experiencia de una niña judía escondida durante la Segunda Guerra Mundial.
Wawa (2008): Un cortometraje sobre la infancia y la pérdida.
Televisión
Achache también ha dirigido episodios de diversas series y telefilmes:
Bankable (2012): Telefilme sobre las complejidades del mundo financiero.
Marjorie (2015–2017): Serie sobre una terapeuta y sus pacientes.
Osmosis (2019): Serie de ciencia ficción de Netflix sobre el amor y la tecnología.
Balthazar (2019–2020): Serie policíaca francesa.
HPI: Alta Capacidad Intelectual (Haut Potentiel Intellectuel, 2022): Serie de comedia y drama sobre una mujer con altas capacidades intelectuales que colabora con la policía.
Estilo y Temáticas
El cine de Mona Achache se caracteriza por su enfoque en los personajes y su desarrollo psicológico. Sus películas suelen explorar la identidad, el dolor emocional y la transformación personal. Utiliza una estética visual elegante, con una fuerte influencia literaria y teatral.
En El erizo, por ejemplo, juega con la simbología de la literatura y el cine japonés para reflejar el mundo interior de sus personajes. En Little Girl Blue, innova en el género documental al reconstruir los recuerdos de su madre con una interpretación de Marion Cotillard, creando un híbrido entre la ficción y el documental.
Reconocimientos y Legado
A lo largo de su carrera, Achache ha sido reconocida en diversos festivales y premios:
Premio del Público en la Semana Internacional de Cine de Valladolid por El erizo.
Golden Space Needle en el Festival Internacional de Cine de Seattle.
Nominación al César al Mejor Documental 2024 por Little Girl Blue.
Además, Achache es una destacada activista en la lucha por la igualdad de género en la industria cinematográfica y es miembro del colectivo 50/50, que promueve la diversidad en el cine.
Conclusión
Mona Achache ha consolidado una carrera cinematográfica marcada por la sensibilidad y la exploración de la condición humana. Su capacidad para abordar temas profundos con una mirada poética y sincera la ha convertido en una de las directoras más interesantes del cine contemporáneo francés.
Con un futuro prometedor y una filmografía en constante evolución, su obra seguirá dejando una huella en el cine y en la manera en que las historias íntimas pueden conectar con el espectador.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Justo veo esta película el día anterior que se ha premiada en los Oscar como mejor película internacional, desbancando a la gran candidata, Emilia Pérez, que ha sido terriblemente perjudicada por la boca chancla de su protagonista la madrileña Karla Sofía Gascón.
El secuestro del padre por parte de las estructuras de la dictadura brasileña en los años setenta marca el rumbo de una familia.
La existencia feliz de este grupo de personas se ve truncada por ese suceso que determina todo lo posterior.
La madre interpretada por Fernanda Torres tiene que tomar las riendas de la familia y intentará luchar, no ya por el regreso de su esposo, que también, sino por mantener la dignidad familiar y personal.
La película está salpicada de momentos sentimentales y otros tenebrosos como los días de arresto del personaje de Eunice.
Una película muy valiosa que cumple con la doble misión de la denuncia de las injusticias y arbitrariedades de las dictaduras y la defensa de la memoria histórica.
Mi puntuación: 7,68/10.
Dirigido por Walter Salles:
Walter Moreira Salles Jr., nacido el 12 de abril de 1956 en Río de Janeiro, Brasil, es un destacado director, guionista y productor de cine brasileño.
Hijo del banquero y embajador Walter Moreira Salles, estudió economía en la Pontificia Universidad Católica de Río de Janeiro y cine en la Universidad del Sur de California.
Inició su carrera cinematográfica en la década de 1980 realizando documentales.
Su primer largometraje de ficción fue A grande arte (1991). Sin embargo, fue con Tierra extranjera (1995), codirigida con Daniela Thomas, que obtuvo reconocimiento internacional. Esta película fue seleccionada en más de 40 festivales de cine en todo el mundo.
En 1998, Salles alcanzó renombre internacional con Estación central de Brasil, que ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín y fue nominada a dos premios Óscar: Mejor Actriz para Fernanda Montenegro y Mejor Película Extranjera.
En 2004, dirigió Diarios de motocicleta, una biografía del joven Ernesto “Che” Guevara, que recibió elogios de la crítica y ganó el Premio del Jurado Ecuménico en el Festival de Cannes.
Otros trabajos destacados incluyen Detrás del sol (2001), Dark Water (La huella) (2005), En la carretera (2012) y La contadora de películas (2023).
En 2024, Salles presentó Aún estoy aquí, basada en las memorias de Marcelo Rubens Paiva. La película aborda la historia de una familia durante la dictadura militar brasileña de los años setenta. Este filme ha sido aclamado internacionalmente, obteniendo el premio al Mejor Guion en la Mostra de Venecia y tres nominaciones a los premios Óscar 2025: Mejor Película, Mejor Película Internacional y Mejor Actriz para Fernanda Torres, quien ganó el Globo de Oro por su actuación.
Además de su labor como director, Salles ha producido películas significativas como Ciudad de Dios (2002) de Fernando Meirelles y Madame Satã (2002) de Karim Aïnouz.
A lo largo de su carrera, Walter Salles ha sido reconocido por su habilidad para narrar historias íntimas que reflejan la realidad social y política de Brasil, consolidándose como una figura clave en el cine contemporáneo.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Cuando se estrenó fuimos toda la familia a una gran sala y la disfrutamos mucho.
Ahora 30 años después la veo con tres hijos y mis dos nietos en el salón de mi casa en una hermosa pantalla en mi recién adquirido home cinema. Una auténtica gozada.
Mis nietos han determinado la proyección de esta sesión de tarde noche. Ya la habían visitado y deciden darle un segundo visionado.
Permanecen atentos todo el metraje.
¡Qué gran actor Robin Williams! ¡Cuánto lo echamos de menos!
Reconozco a una jovencísima Kirsten Dunst.
La película me divierte mucho.
Me da la impresión que ha envejecido muy bien.
Me impacta nuevamente la crueldad de ese cazador. Fernando nos resalta que está interpretado por el mismo actor que da vida al padre de Alan, Jonathan Hyde.
La película cuenta con unos efectos especiales que parecen chapuceros, pero que encajan muy bien con la idea de que son salidos de un juego.
El film habla de las segundas oportunidades, de la importancia del trabajo en equipo y de las infancias perdidas.
Me sigo partiendo de risa con ese rinoceronte rezagado.
