Esta producción canadiense funciona como un reloj de precisión en el género del thriller policial.
Un desgastado agente del FBI, al que da vida Jude Law, aterriza en una pequeña ciudad del Oeste, Coeur d’Alene en Idaho. Este policía decide investigar unos atracos que a él le parecen cometidos con fines terroristas.
Ese grupo de fanáticos en los años 80, podrían ser perfectamente en estos años veinte del siglo XXI.
Estos individuos, a los que se han dado en llamar the white trash, son personajes fracasados, envidiosos, violentos, amantes de las armas, medio analfabetos y peligrosos. Culpan a los judíos, a los negros, a los extranjeros de su fracaso. Son los votantes de Trump actuales.
En lugar de encontrar en los ricos y explotadores a los culpables de su pobreza culpan esos “otros”.
La película tiene buenas escenas de atracos y una investigación policial impecable.
De todo el film la escena que más me ha impactado es en la que el personaje interpretado por Nicholas Hoult enseña a dispara a su hijo de cuatro años.
Ya se ha convertido en un clásico del cine de los ochenta.
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La vemos porque ocupa un lugar destacado dentro de la obra de Ennio Marricone, con una música que es más grande que la película.
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En su estreno no obtuvo buenas críticas, pero la defendí entonces y ahora me reafirmo.
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Una película colosal, un derroche de producción, con una fotografía extraordinaria.
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Además los temas planteados son de lo más interesante.
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Por un lado el poder de los jesuitas, y lo molestos que resultaban para el dominio de la Iglesia y de los imperios español y portugués, obstaculizando el comercio de esclavos.
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Por otro lado la redención de Rodrigo Mendoza (Robert De Niro), que lleva en sus venas el espíritu belicoso.
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La peli se convierte en una denuncia de la esclavitud en Latinoamérica, rompiendo el mito de la bondad de la colonización ibérica y por otro una apología de las luchas perdidas. Los pueblos oprimidos sucumben ante el poderío militar de las potencias, aunque la moral y la ética esté con ellos.
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Me impresiona ver a un joven Liam Neeson, antes de ser Oskar Schindler y de dedicarse a pegar tiros a diestro y siniestro como en sus últimas películas.
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Mi puntuación: 8,78/10.
Curiosidades sobre La misión
Recepción y edición tras Cannes: Después de ganar la Palma de Oro en el Festival de Cannes, el productor David Puttnam decidió eliminar ocho minutos de la película para mejorar la experiencia del espectador.
Rodaje en locaciones naturales: La película se filmó en diversas locaciones de Argentina, incluyendo la provincia de Misiones, lo que aportó autenticidad a la ambientación selvática de la historia.
Inspiración musical: La banda sonora, compuesta por Morricone, es considerada una de las más destacadas en la historia del cine. El uso del oboe en la película simboliza la conexión entre culturas y juega un papel crucial en la narrativa.
Reconocimientos: Además de la Palma de Oro, la película ganó el Óscar a la Mejor Fotografía para Chris Menges y obtuvo premios BAFTA y Globos de Oro en categorías como Mejor Música y Mejor Guion.
Dirigido por Roland Joffé:
Roland Joffé: Un Director entre la Épica y la Controversia
Cuando se habla de cine histórico con un fuerte componente humano y social, el nombre de Roland Joffé emerge como una referencia ineludible.
Con una filmografía marcada por relatos intensos y personajes complejos, este director británico ha dejado una huella en el cine internacional, aunque no sin despertar polémicas en el camino.
Inicios y Primeros Pasos en la Televisión
Nacido el 17 de noviembre de 1945 en Londres, Joffé comenzó su carrera en la televisión británica.
Trabajó en series como Coronation Street y Bill Brand, donde exploró problemáticas sociales con un enfoque realista.
Su talento para narrar historias con trasfondo político llamó la atención de los productores de cine, lo que lo llevó a su primer gran proyecto cinematográfico.
El Salto a la Gran Pantalla: Reconocimiento y Premios
En 1984, Joffé dirigió Los gritos del silencio, un estremecedor drama sobre el genocidio en Camboya bajo el régimen de los Jemeres Rojos.
La película fue un éxito de crítica y le valió su primera nominación al Óscar como Mejor Director. Su manera de abordar el conflicto, con una mezcla de brutalidad y lirismo, consolidó su prestigio en la industria.
Dos años después, en 1986, dirigió La misión, protagonizada por Robert De Niro y Jeremy Irons. Ambientada en el siglo XVIII, la película narra la lucha de los jesuitas en Sudamérica contra la explotación colonial. Con su impresionante fotografía y una banda sonora icónica de Ennio Morricone, el filme ganó la Palma de Oro en Cannes y recibió varias nominaciones al Óscar, incluyendo una segunda para Joffé como Mejor Director.
Otros Proyectos y Altibajos en su Carrera
A pesar del éxito de sus primeros trabajos, la carrera de Joffé tuvo altibajos.
En 1989 dirigió Creadores de sombras, un drama sobre el desarrollo de la bomba atómica que no logró el mismo impacto que sus predecesores.
En 1992, con La ciudad de la alegría, intentó recrear la esencia de la India con una historia de redención y sacrificio, pero recibió críticas mixtas.
En 1995, su adaptación de La letra escarlata, protagonizada por Demi Moore, fue un fracaso tanto en taquilla como con la crítica.
Sin embargo, en 2000 logró recuperar parte de su reputación con Vatel, un drama histórico sobre la corte francesa del siglo XVII, protagonizado por Gérard Depardieu.
Una Etapa de Controversias
En años más recientes, Joffé ha sido objeto de debate con películas como Encontrarás dragones (2011), que aborda la vida de Josemaría Escrivá de Balaguer, fundador del Opus Dei. La película generó divisiones entre la crítica y el público debido a su enfoque sobre la Guerra Civil Española y su visión del controvertido personaje.
Legado y Estilo Cinematográfico
El cine de Roland Joffé se caracteriza por su énfasis en la emotividad, la belleza visual y la exploración de conflictos morales y políticos.
Aunque su filmografía ha tenido altibajos, su contribución al cine sigue siendo significativa, especialmente por su capacidad para contar historias humanas enmarcadas en grandes acontecimientos históricos.
A día de hoy, sigue siendo una figura interesante y compleja en el cine, un director cuya obra sigue siendo objeto de análisis y discusión.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Música de Ennio Morricone:
Ennio Morricone: El Maestro de las Bandas Sonoras
Si existe un nombre imprescindible en la historia de la música cinematográfica, es sin duda el de Ennio Morricone.
Con más de 500 bandas sonoras en su haber, este compositor italiano no solo revolucionó el cine, sino que lo dotó de una identidad musical inconfundible, elevando la banda sonora a una categoría artística propia.
Primeros Años y Formación Musical
Nacido en Roma el 10 de noviembre de 1928, Morricone mostró un talento excepcional para la música desde temprana edad.
Criado en una familia de músicos, estudió en la Academia Nacional de Santa Cecilia, donde se especializó en trompeta y composición.
Su dominio de la orquestación y su interés por la experimentación sonora fueron claves en la configuración de su estilo único.
El Spaghetti Western y la Alianza con Sergio Leone
El gran salto a la fama de Morricone llegó en los años 60, gracias a su colaboración con el director Sergio Leone.
Juntos redefinieron el género del spaghetti western con películas como:
Por un puñado de dólares (1964)
La muerte tenía un precio (1965)
El bueno, el feo y el malo (1966)
Hasta que llegó su hora (1968)
En estas bandas sonoras, Morricone introdujo innovaciones como el uso de la armónica, el silbido, la guitarra eléctrica y sonidos no convencionales (como latigazos o disparos), creando atmósferas inconfundibles que se convirtieron en parte integral de la narración cinematográfica.
Expandiendo su Estilo: De Hollywood a la Música de Autor
A pesar de ser conocido por sus westerns, Morricone demostró una versatilidad inigualable. Compuso para numerosos géneros y trabajó con directores de renombre como Brian De Palma, Bernardo Bertolucci, Giuseppe Tornatore y Quentin Tarantino.
Algunas de sus composiciones más memorables incluyen:
La misión (1986), con su conmovedor tema “Gabriel’s Oboe”.
Cinema Paradiso (1988), que capturó la nostalgia del cine y la infancia.
Los intocables de Eliot Ness (1987), un thriller con una partitura intensa y vibrante.
Novecento (1976), un fresco histórico de gran envergadura.
Los odiosos ocho (2015), por la que ganó su primer Óscar competitivo.
Premios y Reconocimientos
A lo largo de su carrera, Morricone recibió innumerables premios, incluyendo:
Un Óscar honorífico en 2007 por su contribución a la música cinematográfica.
El Óscar a la Mejor Banda Sonora por Los odiosos ocho en 2016.
Tres Globos de Oro, un Grammy y un BAFTA.
La Palma de Oro honorífica en el Festival de Cannes.
El Premio Princesa de Asturias de las Artes en 2020, compartido con John Williams.
Legado Eterno
Fallecido en 2020 a los 91 años, Ennio Morricone dejó una huella imborrable en el cine y la música.
Su legado sigue vivo en cada melodía que acompaña a los grandes clásicos del séptimo arte, demostrando que una gran banda sonora no solo refuerza una película, sino que puede trascenderla y convertirse en una obra maestra por derecho propio.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Centauros de la Alcarria: Luto por Gene Hackman, porra de los Oscar y odio a Amenaza en el Aire
28/02/2025
Javier P. y Ramón se reúnen para hablar de los estrenos más esperados en los Multicines Guadalajara , con un programa lleno de cine, emoción y grandes historias.
Entre los estrenos más destacados, analizamos A Complete Unknown, el esperado biopic de Bob Dylan protagonizada por Timothée Chalamet, quien opta al Oscar por este papel.
También nos adentramos en Mi única familia, la nueva película de Mike Leigh , que combina humor y drama.
Para los amantes de los romances imposibles, llega El secreto del orfebre, protagonizada por Mario Casas y Michelle Jenner, una historia de amor marcada por el paso del tiempo.
Mientras tanto, la acción y el thriller están asegurados con Amenaza en el aire, protagonizada por Mark Wahlberg y dirigida por Mel Gibson, mucha tensión y Serie B.
En el cine español, Nosotros, de Helena Taberna , explora el amor y el desamor a través de un matrimonio en crisis.
Y para los amantes del thriller nórdico, Los indeseados nos sumergen en una historia de misterio y terror con secretos oscuros y una inquietante atmósfera escandinava.
Además, adelantamos el próximo Proyecto Viridiana, que se celebrará el 6 de marzo a las 20:15 , con la proyección de Tardes de soledad, el documental de Albert Serra sobre el torero Andrés Roca Rey, seguido de un coloquio online con el director, moderado por JA Bayona .
Y seguimos de cerca la evolución del proyecto Cine Alcarria, que vivió un concurrido y exitoso casting en los Multicines Guadalajara para buscar a los actores de los cuatro cortometrajes que se van a rodar este año.
…
También nos ponemos de luto para lamentar dos fallecimientos, el de la actriz Michelle Trachtenberg, icono juvenil de los 90 y primera década del 2000, y Gene Hackman, un histórico del cine que nos ha dejado en extrañas circunstancias a la edad de 95 años. Historia del séptimo arte.
En la puerta misma de los Oscar, hacemos nuestra porra de ganadores.
Y sobre todo discutimos mucho, muchísimo por Amenaza en el aire en la Zona Spoiler Total, con un Ramón que casi explota de ira.
🎙️ Un programa lleno de cine, risas y debates que no te puedes perder.
¡Dale al play! 🎬✨
Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del periodista de cultura Javier Pastrana, del joven crítico de cine Ernesto Delgado Centeno, de la avispada periodista Sara Sánchez, de la eficaz Cristina, del cortometrajista Jorge Andrés y del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.
Todos ellos van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.
Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias que padecen.
Además todas las semanas desarrollan un debate sobre la película más interesante de la cartelera, en sección solo para podcast Spoiler Total.
Tal vez, la trama no es demasiado original. El adolescente malote que enamora a una buena chica…
Este idilio se ve interrumpido por un periodo de diez años. Tras el regreso…
Esta película visitó Cannes y ha obtenido un César al mejor actor secundario a Alain Chabat, con 12 nominaciones más.
Es posible que la dirección de Gilles Lellouche sea pretenciosa, pero he de afirmar que consigue unos bonitos planos que impactan en mi retina, con algunas decisiones de dirección cuestionables, pero que a mí me entusiasman. Hay un loable afán de ser original, consiguiéndolo en más de una ocasión.
Los momentos violentos están bien filmados y el uso del sonido resulta muy impactante.
Adèle Exarchopoulos está colosal, como suele ser habitual en ella, dotando a su personaje de intensidad y dramatismo, consiguiendo que el espectador comprenda ese amor sin razones.
Muy orgánica la interpretación de François Civil que consigue combinar furia, violencia y sensibilidad.
Vincent Lacoste es un actor que me cae como el culo. Aquí interpretando el papel de rico gilipollas consigue que mi animadversión hacia él aumente. No es nada personal, pero te detesto Vincent.
Una pena que esta película no haya sido estrenada en los Multicines Guadalajara.
Mi puntuación: 7,68/10.
Dirigido por Gilles Lellouche:
Gilles Lellouche, nacido el 5 de julio de 1972 en Savigny-sur-Orge, Francia, es un destacado actor y director francés.
Inició su carrera dirigiendo cortometrajes y videoclips musicales antes de consolidarse como actor en la industria cinematográfica francesa.
Trayectoria como actor
A lo largo de su carrera, Lellouche ha participado en más de cincuenta películas desde su debut en 1995.
Ha sido nominado en dos ocasiones a los premios César: en 2006 como Mejor Actor Revelación y en 2011 como Mejor Actor de Reparto por su actuación en Pequeñas mentiras sin importancia (Les Petits Mouchoirs).
Entre sus papeles protagónicos más destacados se encuentran:
Quiéreme si te atreves (Jeux d’enfants, 2003): Interpretó a Sergei Nimov Nimovitch en esta comedia romántica dirigida por Yann Samuell, que narra la historia de dos amigos de la infancia que llevan su juego de desafíos a lo largo de sus vidas.
El gran baño (Le Grand Bain, 2018): Además de dirigir, Lellouche actuó en esta comedia dramática sobre un grupo de hombres que forman un equipo de natación sincronizada. La película fue aclamada por la crítica y obtuvo múltiples nominaciones a los premios César.
BAC Nord: Brigada Anticriminal (BAC Nord, 2020): Interpretó a Grégory Cerva en este thriller policial dirigido por Cédric Jimenez, que sigue a una unidad de policía en Marsella enfrentando desafíos en barrios conflictivos.
Kompromat (2022): Encarnó a Mathieu en este thriller basado en hechos reales, donde un funcionario francés en Rusia es acusado injustamente de delitos graves y debe luchar por su libertad.
Astérix y Obélix: El reino medio (Astérix et Obélix: L’Empire du Milieu, 2023): Asumió el icónico papel de Obélix en esta comedia de aventuras dirigida por Guillaume Canet, que lleva a los famosos galos a China.
Faceta como director
En 2018, Lellouche dirigió El gran baño (Le Grand Bain), una comedia dramática que recibió elogios de la crítica y fue nominada en diez categorías en los premios César 2019, incluyendo Mejor Película y Mejor Director.
En 2024, presentó L’Amour ouf, una ambiciosa película de casi tres horas que explora diversas emociones y estilos cinematográficos.
Basada en la novela Jackie loves Johnser OK? de Neville Thompson, la película mezcla géneros que van desde musicales hasta cine negro, narrando la compleja historia de amor entre Jackie y Clotaire en el norte de Francia durante los años 80.
Vida personal
Además de su carrera profesional, Lellouche ha mostrado un lado personal entrañable al adquirir en 2024 la casa de su infancia en Fontainebleau. Este gesto tuvo como objetivo ayudar a sus padres y proporcionar un lugar de reunión familiar, demostrando su apego a sus raíces y su compromiso con la familia.
Conclusión
Gilles Lellouche continúa siendo una figura influyente en el cine francés, tanto delante como detrás de las cámaras, aportando su talento y versatilidad a cada proyecto en el que participa.
El director islandés Erlingur Thoroddsen compone un thriller con elementos de terror que se desarrolla en dos tiempos.
La dobe historia terminará convergiendo de manera, para mí, inesperada.
Por un lado el relato de los sufrimientos de los muchachos ingresados en un correccional de los años ochenta. Por otro la investigación que realiza el personaje al que da vida el fornido Jóhannes Haukur Jóhannesson, marcado por el suicidio de su esposa y por la mala relación con su hija víctima de las burlas de sus compañeras de instituto.
Siempre insisto en lo mismo. El cine nórdico está muy alejado del paraíso que siempre hemos tenido de estos países fríos y oscuros.
La película es triste, incluso sórdida, con un cierto aire fúnebre.
Cine, tal vez, prescindible, pero que a mí siempre me interesa y me perturba.
Por nada del mundo querría vivir en países así.
Mi puntuación: 6,67/10.
Dirigido por Erlingur Thoroddsen:
Erlingur Óttar Thoroddsen: el maestro islandés del terror psicológico
Erlingur Óttar Thoroddsen es un director y guionista islandés nacido el 27 de abril de 1984.
Su cine se ha convertido en un referente del terror y el suspense psicológico, destacando por su capacidad para crear atmósferas inquietantes y tramas que exploran los miedos más profundos del ser humano.
Desde sus primeros cortometrajes hasta su consolidación en el cine internacional, ha demostrado ser una de las voces más prometedoras del género.
Orígenes y formación: un islandés en Nueva York
Desde muy joven, Thoroddsen se sintió atraído por las historias de terror y lo sobrenatural, influenciado por el folclore islandés y el cine de directores como John Carpenter y David Cronenberg. Esta pasión lo llevó a estudiar en la Universidad de Columbia en Nueva York, donde se graduó en 2013 en Dirección de Cine.
Durante sus años en Columbia, dirigió varios cortometrajes que exploraban el miedo y la psicología humana, sentando las bases de su estilo cinematográfico. Fue en esta etapa cuando comenzó a desarrollar Child Eater, su ópera prima, basada en uno de sus propios cortometrajes.
Carrera cinematográfica: entre lo sobrenatural y el thriller psicológico
La filmografía de Thoroddsen está marcada por una constante exploración del miedo, ya sea a través de criaturas sobrenaturales o de traumas psicológicos que persiguen a sus protagonistas.
Sus películas han sido aclamadas por su atmósfera inquietante y su capacidad para combinar el terror con el drama psicológico.
Child Eater (2016)
Basada en su cortometraje homónimo, esta película narra la historia de un monstruo que se alimenta de la vista de los niños.
Con un estilo que recuerda al cine de Wes Craven y Guillermo del Toro, Child Eater se presentó en varios festivales de terror, consolidando a Thoroddsen como un director con un talento especial para el horror clásico y el suspense.
📌 La película se estrenó en España con el mismo título original, sin traducción al español.
Rift (Rökkur) (2017)
Con un giro más psicológico, Thoroddsen presentó en 2017 Rift, un thriller inquietante que sigue a dos exnovios que se reencuentran en una cabaña aislada tras su ruptura.
Lo que comienza como un intento de reconciliación pronto se convierte en una pesadilla cuando extrañas presencias empiezan a acecharlos.
La película fue el cierre del 40º Festival Internacional de Cine de Gotemburgo y le valió el Premio a la Realización Artística en el Outfest de 2017, consolidando su reputación como un cineasta innovador dentro del género.
📌 En Islandia, el filme se estrenó con su título original, Rökkur, pero en España se ha conocido como Rift.
The Piper (2023)
Dando un salto al terror gótico, Thoroddsen dirigió The Piper, una reinterpretación oscura de la leyenda del Flautista de Hamelín.
La película sigue a una compositora que, al completar la última obra inacabada de su mentor fallecido, desata una maldición que amenaza con consumirla.
Rodada en Bulgaria y protagonizada por Charlotte Hope y Julian Sands, The Piper destacó por su cuidada dirección artística y su capacidad para reinterpretar un cuento clásico con una estética aterradora.
📌 En España, la película se estrenó como El Flautista, adaptando su título para mayor reconocimiento del público.
Los indeseados (Kuldi / Cold) (2025)
Su proyecto más reciente es Los indeseados, una adaptación de la novela homónima de la reconocida autora islandesa Yrsa Sigurðardóttir.
Este thriller psicológico entrelaza el pasado y el presente en una historia donde los secretos enterrados resurgen con consecuencias aterradoras.
Estrenada en España el 28 de febrero de 2025, la película ha sido elogiada por su atmósfera opresiva y su narrativa intrigante, convirtiéndose en uno de los estrenos de terror más esperados del año.
📌 El título original es Kuldi en islandés y Cold en inglés, pero en España se ha traducido como Los indeseados.
Un estilo visual único: entre lo real y lo onírico
Lo que distingue a Thoroddsen de otros directores de terror es su enfoque atmosférico y psicológico.
Sus películas no dependen únicamente de los sobresaltos (jump scares), sino que construyen una tensión constante basada en el aislamiento, la incertidumbre y el terror psicológico.
Algunos rasgos clave de su estilo incluyen:
Entornos aislados: Sus historias suelen desarrollarse en lugares remotos como cabañas, pueblos abandonados o casas antiguas, lo que refuerza la sensación de desamparo.
Narrativas ambiguas: Juega con la percepción del espectador, dejando abiertas muchas interpretaciones sobre si lo que ocurre es real o fruto de la mente de los personajes.
Uso del folclore: Se inspira en mitos y leyendas, dándoles un giro moderno y aterrador.
Fotografía sobria y envolvente: Utiliza tonos fríos, iluminación tenue y encuadres que aumentan la sensación de claustrofobia y tensión.
Reconocimientos y futuro
Además de los premios obtenidos por Rift, Thoroddsen ha sido reconocido en festivales internacionales por su contribución al cine de terror.
Con cada película, expande los límites del género y demuestra que el miedo puede explorarse de maneras innovadoras y sofisticadas.
Actualmente, se encuentra trabajando en nuevos proyectos que seguirán explorando las complejidades de la mente humana y el miedo latente en lo cotidiano.
Su ascenso en la industria es una prueba de que el cine de terror sigue evolucionando, y Erlingur Óttar Thoroddsen es, sin duda, una de las figuras clave en esta transformación.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
