Cuando hace un año vi Ocho apellidos vascos de 2014 hablé de ella como de una comedia agradable antes de suponer, siquiera, el éxito que iba a tener en la taquilla.
Entre estas dos pelis hay una diferencia fundamental.
El problema vasco (por llamarlo de alguna manera suave) es historia. En Ocho apellidos vascos nos reíamos de la kale borroka y de los vascos y andaluces.
Aquí la burla a los catalanes es menos mordiente y el problema catalán lejos de estar resuelto está de rabiosa actualidad (nunca mejor dicho).
Cobeaga como buen vasco es capaz de reírse de sus vecinos, pero se ve obligado a ser comedido al hablar de los catalanes, existe el riesgo que se molesten.
Todo lo anterior no es justificación para que esta peli no funcione y sea solo una peli de toma el dinero y corre.
Su guión es penoso, con elementos tan manidos, tan toscos que resultan irritantes.
Los personajes son solo burdas caricaturas, sin lógica personal.
Las situaciones son forzadas y chirriantes.
Por supuesto que los actores están excelentes. En España disponemos de magníficos actores capaces de defender con pundonor cualquier papel por imposible que sea.
Ninguno de los protagonistas fallan y hacen todo lo que pueden y más, en una historia sin pies ni cabeza, y, lo que es peor, sin gracia.
Solo salvo al personaje de Berto Romero disfrazado de hipster, con una crítica a estos especímens muy divertida que es lo único que funciona.
Le deseo a Ocho apellidos catalanes el mayor de los éxitos y la mayor de las recaudaciones.
Al hablar de esta peli todo el mundo dice “ochenta egunean” cuando deberíamos decir “laurogei egunean“.
José María Goenaga y Jon Garaño son los directores de la maravillosa Loreak (Flores) de 2014, seleccionada para los Óscars.
Relatada en ochenta días en los que se establece una relación entre dos señoras mayores que se reencuentran por casualidad en un hospital.
Siempre que veo una peli protagonizada por ancianos me parece una cuestión muy valiente. Lo comercial es la juventud y la belleza.
Estas dos mujeres son totalmente contrapuestas.
Axun, la magnífica Itziar Aizpuru, es una mujer tradicional, casada con un marido poco comunicativo y una hija que vive lejos y recibe las llamadas de su madre como una molestia.
Maite, la no menos magnífica Mariasun Pagoaga, es una profesora de piano, alegre, vitalista, culta y lesbiana.
Se conocieron en la adolescencia.
Este reencuentro mueve muchas cuestiones en el espíritu de Axun que se ve atraída por su amiga.
Axun se atreve a salir de su convencionalismo vital y ejecuta lo que ella termina considerando como tonterías.
Goenaga y Garaño componen una peli sentimental, profunda, austera que se atreve con asuntos como la incomunicación en el matrimonio, los celos, el machismo, la homosexualidad, la amistad, los convencionalismos sociales…
Todo ello en una sociedad como la vasca que es la más católica de Europa.
La peli comienza con una serie de secuencias, como viñetas de cómic, con el jovenzuelo Harold (Bud Cort) intentando quitarse la vida de diferentes formas ante la indiferencia de su madre, la señora Chasen.
Su necrofilia es manifiesta y suele acudir a entierros y funerales.
En una de estas visitas conoce a la anciana Maude (Ruth Gordon), que a pesar de la costumbre que comparte con Harold, es una anciana vitalista y que viste con colores vivos que contrasta con el negro de su nuevo amigo.
Estas dos personas se complementan. Él posee la juventud y ella la vitalidad. Entre los dos conforman una persona optimista, si solo escogemos determinadas partes de su personalidad.
Entre ellos nace el amor…
Desde ese punto de vista podríamos hablar de una comedia romántica y negra.
Las situaciones cómicas son continuas, parten sobre todo de gags visuales y menos de los diálogos.
El director, Hal Ashby, no desaprovecha la ocasión para reírse de los militares, de los psiquiatras, de las citas por internet (aunque entonces no las había), de las actrices del método y de todo lo que se le pone por delante.
Para mí ha sido un muy agradable descubrimiento.
El director, Hal Ashby:
William Hal Ashby nació en Ogden, Utah, y se crió en una familia de origen mormón en una infancia que estuvo marcada por la desgracia.
Hal Ashby tuvo que presenciar el divorcio de sus padres y el suicidio de su progenitor.
Hal se casaría a una edad muy temprana, aunque se divorciaría posteriormente.
Poco después, Ashby se trasladaría de Utah a California donde encontró un puesto como ayudante de montaje.
Su eclosión llegaría en 1967 cuando ganó el Oscar al mejor montaje por su trabajo en En el calor de la noche.
Previamente había sido nominado por ¡Qué vienen los rusos, que vienen los rusos!
Su debut como director no llegaría hasta 1970.
Con Norman Jewison como mentor, Ashby dirigiría El casero.
A pesar de no ser propio de su generación, Ashby abrazó al estilo hippie, optó por el vegetarianismo y se dejó el pelo largo.
En 1970, se casaría con la actriz Joan Marshall, una relación que duraría hasta la muerte del director en 1988.
De todas maneras, la separación fue mucho antes y, de hecho, Marshall no pudo perdonar nunca a su marido que reflejara algunas de las intimidades de su relación en la película Shampoo.
En los 16 años de dirección, Ashby dirigiría numerosos films, incluidos Harold and Maude y la sátira social Bienvenido Mr. Chance con Peter Sellers, Shampoo con Warren Beatty o Esta tierra es mi tierra, una biografía de Woody Guthrie protagonizada por David Carradine y que fue el primer film en utilizar la Steadicam.
En 1978, Ashby lograría uno de sus mejores reconocimientos con el drama inspirado en la Guerra del Vietnam El regreso, protagonizado por Jane Fonda y Jon Voight.
Ashby recibiría su tercera nominación a los Óscar, la única en la categoría de la mejor dirección.
El éxito comercial de El regreso animó a Ashby para que fundara su propia productora: Lorimar.
Inmerso en una espiral de consumo de drogas, Ashby se convirtió en un hombre introvertido y excéntrico, encerrándose en su vivienda de Malibú, fumando marihuana y evitando comer delante de otras personas.
En la década de los 80, la filmografía se vio afectada por la excentricidad de su creador.
Así, Second-Hand Hearts y Lookin’ to Get Out (sus siguientes producciones) fueron un auténtico fracaso a nivel creativo y comercial.
Además, Ashby se presentaba con continuas amiguitas, cosas que empezaba a molestar a los productores.
De hecho, el colmo de esto fue cuando Ashby tardó casi seis meses en editar el videoclip de The Police Message in a Bottle.
Incluso, se barajó su nombre para poder dirigir Tootsie, aunque finalmente las negociaciones no llegaron a buen puerto.
Pero el colapso de salud le llegaría a Ashby durante el rodaje del documental de los Rolling Stones en la gira americana de la banda inglesa en Estados Unidos durante 1981: Let’s Spend the Night Together.
Sufrió un colapso cerebral y, aunque se recuperó y fue capaz de acabar el documental, no volvió a ser el mismo.
Sus proyectos posteriores The Slugger’s Wife, basada en un guion de Neil Simon, u 8 millones de maneras de morir, co-escrito por Oliver Stone, fueron unos auténticos fiascos de taquilla y crítica (ambas tienen una calificación de 0% en Rotten Tomatoes).
En los últimos años, Ashby dejó las drogas y buscó una imagen de creador venerable.
A pesar de estos esfuerzos, el mundo del cine no volvió a tomarlo en serio.
A esto se le añadieron problemas con su salud, hasta que se le diagnosticó un cáncer pancreático que rápidamente se le trasladaría a los intestinos y al colon.
Aunque confió en la medicina homeopática, Ashby moriría el 27 de diciembre de 1988 en su casa de Malibú.
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Curiosidades:
Hal Ashby tuvo la intención de filmar una escena haciendo el amor Harold y Maude, pero Paramount rechazó esta idea.
Cuando Maude y Harold roban la moto de la policía, Bud Cort se golpeó accidentalmente la cabeza con la pala, pero igual siguió su camino por el bien de la filmación.
Hay una escena eliminada en la que Maude pinta sonrisas en las estatuas en la iglesia.
Cat Stevens tiene una breve aparición.
Es el caballero barbudo que lleva un sombrero y un abrigo en un sermón delante de la tumba.
Lo marcos en la casa de Maude están vacíos.
En una escena eliminada Harold le pregunta por qué se quitaron las fotografía.
Maude le dice que se burlaban de ella porque sus imágenes permanecían nítidas, en cambio sus recuerdos se iban desvaneciendo.
Lo cual sugería que estaba padeciendo la enfermedad de Alzheimer o una forma similar de demencia.
Al considerar el papel de Harold, Bud Cort pidió la opinión del director Robert Altman, su mentor.
Altman advirtió que la estrella en ascenso Cort podría encontrarse a sí mismo para siempre encasillado.
Por esta razón, Cort rechazó el papel de Billy Bibbit en Alguien Voló Sobre el Nido del cuco (1975).
Harold y Maude (1971) fue representada un total de 1.957 veces desde mediados de 1972 hasta junio de 1974 en el Teatro Westgate en Edina, Minnesota.
En las escenas entre Harold y el psiquiatra, ambos usan la ropa a juego, hasta las corbatas y pañuelos.
Henry Dieckoff, que aparece como mayordomo de la señora Chasen, era el mayordomo real de Rose Court Mansión en Hillsborough, California, al sur de San Francisco, que sirvió como escenario para la mansión Chasen.
Bud Cort quería a Greta Garbo para desempeñar el papel de Maude.
Hay una escena eliminada en la que la señora Chasen habla con el maniquí de Harold, confundiéndolo con su hijo.
Llegó a salir, a finales de los noventa, el puesto nº 9 en la lista del American Film Institute de las 10 mejores películas del género “comedia romántica“.
En la película seescuchan varias canciones de Cat.
El presupuesto fue de 1.200.000 dólares.
El coche fúnebre que usa inicialmente Harold es un Cadillac Superior modelo 1.959 de 3 vías, que es uno de los más buscados entre los coches fúnebres por los coleccionistas hoy en día.
El Jaguar modificado como coche fúnebre fue destruido al final de la filmación y no existe ninguna réplica.
Mientras está viendo una puesta de sol con Harold, Maude ve una bandada de gaviotas y se refiere a Dreyfus. Alfred Dreyfus (1859-1935), un oficial judío del ejército francés, que fue injustamente condenado por traición en 1894 y sentenciado a cadena perpetua en régimen de aislamiento en Isla del Diablo (una colonia penal en la costa de la Guayana francesa).
Fue perdonado cinco años después, y finalmente exonerado cuando las pruebas contra él se demostraron falsas.
La conversación sobre Dreyfus coincide con Harold viendo el tatuaje del campo de concentración de Maude por primera vez.
Relaciona dos de los casos más infames del antisemitismo europeo institucionalizado de los siglos XIX y XX e implica que Maude había sido prisionera de un campo de concentración judío durante la Segunda Guerra Mundial .
Los tatuajes de números de serie fueron dados solamente (y en concreto) a los prisioneros en el complejo de Auschwitz (que incluía Auschwitz I [Main Camp], Auschwitz II [Auschwitz-Birkenau], y Auschwitz III [Monowitz y los subcampos]).
Presos en otros campos de concentración nazis no estaban tatuados.
Tampoco eran tatuados los prisioneros de Auschwitz que iban a ser exterminados inmediatamente y no eran destinados a trabajos forzosos.
Esta coproducción Japón-Francia-Alemania llega a nuestras pantallas avalada por la Seminci de Valladolid y el Festival de Cannes.
Un historia sencilla protagonizada por tres personajes de los que vamos conociendo a lo largo del metraje.
Un pastelero que esconde un secreto que le ha marcado la vida.
Una adolescente que sabemos que lleva una vida solitaria.
Una anciana experta en elaborar unos fabulosos dorayakis. Su vida no ha sido fácil.
Unas señoras mayores que estaban junto a mí comentaron al finalizar que se trataba de una peli muy triste.
Es cierto, pero también transmite un mensaje optimista.
Recomienda disfrutar de las pequeñas cosas que te brinda la vida, la mayoría gratis o muy baratas (un ciruelo en flor, la brisa en la cara y la pasta de los dorayakis).
También me encanta la idea que la amistad no tiene barreras de edad y estos tres personajes pueden hacerse colegas y compartir pensamientos e ilusiones.
Había salido unos minutos antes de la sala donde se proyectaba la magnífica Sicario, todo tensión y adrenalina.
Una pastelería en Tokio me relajó, pero no me dio sueño.
Una peli valiosa. Grande en su sencillez y en su humildad.
Voy a mirar donde puedo comprar unos dorayakis. ¡¡¡Los necesito yaaaaaaaaaaa!!!
Habla de la guerra sucia de los norteamericanos contra los carteles de la droga mexicanos.
El punto de vista es de una agente del FBI, una magnífica Emily Blunt, que se enfrenta al conflicto moral que supone combatir a los “malos” saltándose todas las leyes.
Su personaje es el de sufridora total que no se termina de enterar de que va esta vaina.
Cuando lo pregunta le responden: “Quieres saber como funciona el reloj. Tú solo mira la hora“.
Benicio Del Toro, como siempre se come la pantalla, una mirada suya me inspira terror, es un vengador, utilizado por el Gobierno USA.
Josh Brolin, todo un personaje, agente de la CIA que lleva acabo una operación sin importarle la ley, ni la ética.
La peli está llena de secuencias impactantes que te dejan pegado al asiento conteniendo la respiración.
Impresionantes las tomas aéreas que te sitúan en el conflicto sin crear confusión en el espectador.
En Sicario no sobra nada. Denis Villeneuve ha sabido dosificar todos los elementos (la música, el montaje, los movimientos de cámara, las interpretaciones…) para conseguir un thriller de acción perfecto.
¿Peli de Oscar?
Veremos. Prisioneros, inexplicablemente no se llevó nada.
