El rodaje comenzó el 4 de febrero de 1974 en los Studios Boulogne-Billancourt, y terminó a mediados de abril.
Buñuel improvisó más de lo habitual en el rodaje.
Jean-Claude Carrière colaboró, como era habitual, en el guión.
Según afirmó, durante el rodaje, el guión se llenó de tachaduras agregados y flechas que cambiaban el orden de las escenas.
El episodio inicial está inspirado en la leyenda de Gustavo Adolfo Bécquer, El beso.
El resto es totalmente inventado.
La película, junto con La vía láctea y El discreto encanto de la burguesía forman una especie de tríptico, como muy bien reconoció el propio realizador.
El fantasma de la libertad es una película que desde el principio despertó entre la crítica una clara distinción entre los que la veían como un divertimento del realizador, en el que se mezclaban temas ya vistos anteriormente y otros que mantenía en el cajón desde hacía tiempo y los que la consideraban un paso más de Buñuel en la liberación del relato de sus anclajes tradicionales.
El filme está formado por ocho “secuencias” o episodios, que podrían haberse mezclado de cualquier manera.
La única conexión que hay entre ellos es un personaje que pasa de uno al otro, aunque en el episodio del asesino-poeta se valió de un figurante y en el inicial de una voz en off.
Para mí es una de las mejores pelis de Buñuel.
Recuerdo perfectamente cuando la vi en su estreno.
Me impactó.
Me quedé traspuesto.
Días después acudí de nuevo a verla.
Un amigo la descalificaba despiadadamente:
– Como puedes ir otra vez a ver ese bodrio.
(¡Qué ojo para el cine!)
Aquí demuestra Buñuel que es un genio.
Hace algo que no se había hecho y que no se ha vuelto hacer.
Transgrede todas las normas narrativas y presenta el absurdo con una naturalidad pasmosa que nos hace verlo normal.
Sus historias no terminan, nos las presenta para que nosotros, si queremos, pensemos en su resolución.
Nos ofrece una cosa y su contraria aceptadas como normales.
La hermana está y no está fallecida.
La niña está desaparecida y presente al mismo tiempo.
La tía es vieja y joven a la vez.
Transgrede los convencionalismos y nos presenta personajes que ejecutan acciones no aceptadas socialmente.
Hay mucho humor en sus relatos, pero sobre todo, hay sorpresa del espectador que no puede ni imaginar porque senderos le va a llevar el director.
En 1979, además de estudiante, los veranos y fines de semana ejercía de camarero.
Dos compañeros de barra, José Antonio y Alberto, dos muchachos estupendos, me recomendaron esta peli.
Hablaban de ella con entusiasmo.
Fui a verla de inmediato.
Yo, entonces, ejercía de cultureta, y tal vez por ello, me pareció mala.
Solo fui capaz de ver un producto medianamente comercial, que entretenía y poco más.
Pero los años les han otorgado la razón a mis dos colegas y me la han quitado a mí, que me las daba de listo, y han convertido esta producción en una peli de culto.
Volverla a ver, 37 años después, ha sido un placer.
Hill no se entretiene en presentar a los personajes.
Tan apenas nos muestra su rostro.
Para que vayamos conociéndolos a través de sus peripecias durante esa noche de huida hacia el refugio del hogar.
La peli tiene un carácter realista y onírico a la vez.
Las calles de Nueva York son el peligro, donde la emboscada puede estar oculta en cualquier esquina.
Las bandas callejeras, todas bastante cutres, están retratadas con realismo y conforman como entes superiores que trascienden a los individuos.
Especialmente triste la pandilla de Los Huérfanos que van los que peor conjuntados, con una triste camiseta sucia y descolorida.
Magnífico el Metro, repleto de pintadas.
En unos años donde no había móviles, el mejor medio de comunicación era una emisora de radio. Tras el micrófono una voz aterciopelada de la que solo vemos sus labios.
Las interpretaciones son bastante penosas, muchas sobreactuaciones.
Los diálogos tampoco acompañan. Simples y ridículos. Solo alguna frase sobresale.
Como cuando Swan le dice a Mercy (más o menos), al final de la peli:
– Quiero salir de este barrio. Escapar.
Y ella le contesta:
– Siempre me gustó viajar.
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Tampoco las peleas son perfectas. Pero al menos funcionan.
Reconozco que me ha gustado volverla a ver.
La recordaba bastante bien.
En general, las pelis que no me gustan las olvido con gran rapidez.
Pero sobre todo, me ha permitido rememorar a dos amigos de juventud, a los que perdí la pista hace muchos años.
Curiosidades y anécdotas:
Ejércitos de la noche:
El cartel original contó con las palabras:
“Estos son los ejércitos de la noche. Son 100.000.
Ellos superan en número a los policías cinco a uno.
Ellos podrían apoderarse de la ciudad de Nueva York”
Esto molestó e indignó a mucha gente.
Algunos intentaron prohibir la película.
Ronald Reagan:
El presidente Ronald Reagan era un fan de la película, incluso llamó actor principal de la película, Michael Beck, para decirle que se había proyectado en Camp David y la había disfrutado.
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Los Mestizos:
Los camiones de la película fueron “protegidos” por una banda real de los llamados Mestizos por 500 dólares al día.
Amenazas:
Miembros del equipo recibieron amenazas de muerte debido a que algunas bandas se habían sentido ofendidas al no ser presentadas en la peli.
Miles de dólares se perdieron por equipos dañados por una banda en una pausa para comer.
Malas críticas:
En su estreno fue número uno en taquilla, a pesar de las críticas negativas que obtuvo.
Incluso la productora pensó en retirarla, pero el boca a boca funcionó muy bien y la convirtió en un éxito.
Su coste fue de unos 6 millones de dólares.
Obtuvo en taquilla en los USA más de 22 millones.
Con el tiempo se ha convertido en una peli de culto.
La Banda de Béisbol:
Los Furias del béisbol fueron creados debido al amor de Walter Hill a este deporte.
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Robert de Niro:
Robert de Niro fue invitado para ser su protagonista, pero rechazó la oferta.
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Ajax:
James Remar obtuvo su papel como Ajax después de la prueba que le hicieron.
Le explicaron la escena del parque cuando es esposado al banco.
Le dijeron que se imaginara que la mesa donde se encontraba el director y los productores y algún técnico era el banco.
Se entregó tanto en la escena que movió la gran mesa.
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¿Los Warriors negros?:
Walter Hill originalmente quería que los Warriors fuera una banda de color negro.
Los productores no estaban de acuerdo.
Distopía futurista:
También quería una inicial del subtítulo que decía:
“En algún momento en el futuro”.
Pero Paramount pensó que sonaba demasiado parecido a La guerra de las Galaxias (1977).
Fractura de muñeca:
Mercy se rompió la muñeca en una caída en las vías del metro.
Por eso aparece con una chaqueta que dice que ha robado, para tapar la escayola.
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La tormenta:
El director de fotografía Andrew Laszlo quería calles mojadas.
Por ello hay una tormenta al principio de la persecución.
Los efectos visuales quedan mejor con las calzadas mojadas.
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Pandillero desaparecido:
Según el productor ejecutivo Frank Marshall, originalmente contrató a un miembro de una banda real para el papel de Cyrus, pero no lo pudieron encontrar al día siguiente y nunca se supo más de él.
Sigue sin saberse que fue de él.
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Orson Welles:
Se planeó una narración de apertura, con la voz de Orson Welles.
Está incluido en DVD en la versión del director, junto con las transiciones de cómic.
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Las pandillas del Bronx:
Con el fin de conseguir la película antes que su rival de película de bandas, Las pandillas del Bronx (1979), la postproducción de esta peli se hizo con tres equipos de edición, en tres habitaciones, que trabajaron día y noche para terminarla.
Los amos de la noche se estrenó en febrero de 1979.
Las pandillas del Bronx en julio de ese mismo año.
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El polo:
La frase de Ajax:
“Te voy a meter el bate por el culo y te convertiré en un polo”
Ocupa el puesto 12 en el Top 50 de Frases de tipo duro.
Sin líder:
La película utiliza una trama común a algunas de las películas escritas y/o dirigidas por Walter Hill.
Donde el líder de un grupo es eliminado en el primer acto, por lo que el liderazgo y la seguridad del equipo quedan pendientes.
De noche:
Casi toda la peli se desarrolla de noche.
Solo al final se ve el amanecer.
Se rodó una escena inicial en Coney Island, de día, en la que los pandilleros se despedían de sus novias, pero fue suprimida para que toda la peli fuera nocturna.
Estas escenas aparecen en la Edición Ultimate en DVD.
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West Side Story:
West Side Story (1961 – Robert Wise, Jerome Robbins) se puede considerar el antecedente musical de peli de bandas callejeras.
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Espectadores de rodaje:
Siempre había una multitud de espectadores durante el rodaje, incluso a las tres de la madrugada con un frío intenso por debajo de cero grados.
La Anábasis:
Basado libremente en la “Anábasis” de Jenofonte.
Cuenta la historia de un ejército de mercenarios griegos que, después de alinearse con Ciro el Joven en la batalla de Cunaxa (401 aC) en su intento de apoderarse del trono persa, se encontraron aislados tras las líneas enemigas persas.
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Sully:
Paul Greco es el actor que interpreta al líder de los Huérfanos.
En la peli no se le pone nombre.
Por ello se han referido siempre a él como El Huérfano.
Su nombre en la peli era Sully que se descubre en el videojuego.
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Cleón:
Aunque no se aclara plenamente en la película, Cleón murió.
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Mercy:
Debut en el cine de la actriz Deborah Van Valkenburgh.
Hill contó con ella para Calles de Fuego de 1984.
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Rodaje nocturno:
La película se rodó en 60 días.
Siempre de noche de la medianoche a las 6 de la mañana.
Extras:
1.000 extras se utilizaron en la gran reunión, muchos procedentes de Riverside Drive Park.
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El cartel:
Después de varios incidentes violentos que se produjeron en varias proyecciones de la película, los productores decidieron cambiar el cartel como una forma de intentar reducir la violencia.
El cartel original incluía el logotipo, así como una imagen de varios miembros de la banda.
El segundo cartel solo contó con el logo sobre un fondo blanco.
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Videojuego:
Un juego de PS2 basado en la película por Rockstar Games fue lanzado en los Estados Unidos el 17 de octubre de 2005.
¿Samuel L. Jackson?
Hay un rumor de que uno de los miembros de la banda es interpretado por un joven Samuel L. Jackson.
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Cuero malo:
Los chalecos de los Warriors estaban hechos de cuero falso.
Debra Winger:
Cerca del final de la película, en el metro de vuelta a Coney Island, dos parejas suben al metro.
Uno de los pasajeros es interpretado por una joven Debra Winger en uno de sus primeros papeles.
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Tres costillas:
Michael Beck (Swan) rompió accidentalmente tres costillas a un doble de acción durante el rodaje.
El propio Beck no tenía conocimiento de esto hasta que se encontró con el mismo especialista en un evento de ‘Warriors’ 37 años después.
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Retraso:
Toda la película fue rodada en las calles de la ciudad de Nueva York con algunas escenas de interiores, hecho en Astoria Studios.
Se rodó siempre de noche.
La realización de la peli llevó desde el principio retraso.
Giuseppe Tornatore va haciendo, desde la década de los ochenta, una peli cada dos o tres años.
Tiene sesenta años. Aún le queda carrete.
Su anterior peli La mejor oferta fue estupenda. Además acudí a verla con mi madre. No puedo evitar emocionarme.
Pero aquí la ha cagado.
La historia de un viejales, que está profundamente colado de una jovencita a la que saca más de treinta años, a la que pretende seguir enamorando después de su muerte, es un empalago.
No puedo evitar que el personaje que interpreta Jeremy Irons me caiga fatal.
Abandona a su familia por una relación ocasional y en la lejanía con una maravillosa Olga Kurylenko.
Pretende atrapar sentimentalmente a su amante de manera póstuma a base de mensajitos y vídeos programados, en una especie de tortura/chantaje emocional.
Además sus misivas son tan empalagosas y ñoñas que resultan repelentes.
Hay un cierto tufillo a viejo verde que esconde su perversión tras la cortina del amor sentido profundamente.
El director se empeña en explicarnos, innecesariamente, como le van llegando los mensajes.
Además la peli es aburrida.
Sus 116 minutos resultan soporíferos.
Lo peor es que no puedes desear la muerte del protagonista, para que acabe esa tortura, porque ya está difunto.
Querido Giuseppe, esperemos que en tu próxima peli estés más acertado.
He visto muchas versiones del personaje de Tarzán, unas cuarenta calculo a ojo de buen cubero.
Mi infancia se rellenó con las proyecciones del Tarzán de Johnny Weissmuller y Maureen O’Sullivan, las tardes de los sábados.
En cada peli Jane salía con más ropa, moría un porteador negro, Tarzán vencía a un cocodrilo, los blancos eran malos y se terminada con la aplastante ayuda de los elefantes.
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Luego vino la de Disney en 1999 con canciones que Phil Collins cantaba en cada idioma. La recuerdo con agrado.
El resto de Tarzanes los he olvidado.
El británico David Yates nos introduce una trama geopolítica.
Los belgas colonizan y depredan el Congo de la mano del malvado Christoph Waltz, que interpreta un personaje copia del de Malditos bastarnos de Tarantino.
Es un malo de cómic.
Por otro lado Alexander Skarsgård es un Tarzán que aporta un físico estupendo (esto ha sonado un poco gay), pero con unas cualidades interpretativas muy escasitas.
Jane es ejecutada por la poderosa Margot Robbie, a la que le podía haber sacado más partido.
Es curioso como en los años treinta del siglo pasado esta pareja selvática iban en taparrabos y en el siglo XXI van muy tapaditos.
Comparad.
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Hay una inclinación actual de exagerar las capacidades de los héroes con una tendencia a convertirlos en super-héroes con poderes sobrenaturales.
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De hecho este Tarzán sueco termina salvando al Congo del opresor colonialista, transformando la cruel realidad histórica.
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Tal vez porque esperaba nada, lo poco que me ha ofrecido me ha parecido bien.
Acudo al pase de prensa a Madrid de este documental.
No sabía que durara 188 minutos.
Tal vez por ello se hizo muy largo.
Yann Arthus-Bertrand es un renombrado y conocido fotógrafo francés.
Su especialidad era la fotografía de animales, especialmente después de haber estado en Kenia en la reserva Masai Mara, región del Serengueti.
Más tarde cambió a la fotografía aérea.
Ha publicado más de 60 libros con sus fotografías tomadas desde helicópteros y globos aerostáticos en todas partes del mundo.
La revista National Geographic ha publicado muchas veces sus obras, que han sido exhibidas en varios países.
Arthus-Bertrand es miembro de la “Académie des Beaux-Arts de l’Institut de France”.
La peli se compone de primeros planos fijos de diferentes personas, todos con la misma composición.
Se intercalan tomas aéreas de paisajes rurales y (menos) urbanos, de una belleza plástica apabullante.
Los individuos comentan sobre cuestiones de la vida.
Sobre el sufrimiento, la guerra, la pobreza, la felicidad, las relaciones personales, los celos, la homosexualidad, el amor, la familia… y el sentido de la vida.
Son personas de razas, culturas y ambientes muy diferentes que componen un mosaico que tal vez consiga abarcar a la humanidad.
Estos testimonios, a veces son divertidos, a veces intrascendentes, y otras te llegan al corazón.
Yo que soy de lágrima fácil, me emocioné en más de una ocasión.
Si alguien quiere verla os pongo abajo del todo la versión libre de derechos de 83 minutos.
