Hacía muchos años que había visto esta peli. La recordaba en blanco y negro y pensando, pensando caigo que la vi en la tele cuando aún no la teníamos a colores, supongo que a mediados de los setenta.
El verla en color me ha sorprendido mucho. El rojo domina muchas escenas y el fuego es sorprendentemente brutal.
Hay elementos muy valiosos en esta peli.
La música de Bernard Herrmann es inconfundible y me ha transportado a un universo muy de Hitchcock.
Otro elemento que también me ha recordado al director de Vértigo es una actriz interpretando dos papeles contrapuestos, una bellísima Julie Christie.
Se nos presenta un futuro distópico con aire retro muy atractivo.
La tele es presentada como elemento de adoctrinamiento y de diversión alienante en contraposición con la lectura como estimulante del intelecto y del pensamiento.
Las amigas de Julie se muestran hipersensibles ante la lectura del relato, están acostumbradas al adormecimiento de la mente con cuestiones banales que son el núcleo de las imágenes televisivas.
Este relato me parece tremendamente actual. La caja tonta como entretenimiento de masas con vocación insustancial.
Reconozco elementos muy de François Truffaut, con esa dirección pararentemente fría y distante, dejando al espectador libre para que juzgue por sí mismo.
Quiero mostrar lo primero un monólogo del agente británico Alec Leamas interpretado por el colosal Richard Burton.
Son solo 22 segundos que resumen a la perfección cual es la esencia del gremio de los espías:
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Esta peli nos aleja del mito del espía estilo James Bond.
Es la cara verdadera y cutre de los agentes secretos.
Trabajos duros, donde hay que sacrificar la vida propia y arriesgarla para conseguir engañar y estafar con un objetivo sujeto a la conveniencia del momento.
Ni moral, ni grandes ideales.
Solo mezquindad y cutrerío.
Curiosidades y anécdotas
Le Carré espía:
El autor John le Carré trabajó para la inteligencia británica MI5 y MI6 durante los años 50 y los años 60.
Parte de su actividad la realizó en Berlín.
Le Carré estaba allí cuando se construyó el Muro de Berlín.
La novela se establece alrededor de un año después de la construcción del Muro de Berlín.
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Las caras de George Smiley:
En esta película, el actor Rupert Davies fue el primer actor en retratar el personaje icónico de John le Carré, George Smiley, en una película o en una televisión.
James Mason fue el segundo actor en interpretarlo, en Llamada para un muerto (1966).
Sir Alec Guinness fue tercero, y le dio vida dos veces, en Calderero, sastre, soldado, espía (1979) y Los hombres de Smiley (1982).
Denholm Elliott fue el cuarto actor, en Asesinato de calidad (1991), mientras que Gary Oldman es el quinto actor en tocarlo, en El topo (2011).
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Las mejores novelas de Le Carré:
John le Carré incluyó “El espía que entró del frío” como una de sus 4 mejores novelas durante una entrevista el 5 de octubre de 2008, en la BBC Four.
Las otras mejores obras que seleccionó fueron: ‘El Sastre de Panamá’, ‘El jardinero fiel’ y ‘Tinker, Tailor, Soldier, Spy’.
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Le Carré en el rodaje:
En un artículo para The Guardian de 2016, John le Carré reveló buenos recuerdos del rodaje:
“El director y yo nos llevamos bien. Disfruté de una amable relación con el guionista, Paul Dehn, quien como ex instructor en las artes negras en una escuela de espionaje británica durante la segunda guerra mundial, resultó saber mucho más sobre el espionaje que yo.
No se tomaron grandes libertades con mi historia -aunque ya no veo eso como un criterio- y mi único trabajo era proporcionar la extraña nota de gracia al guión mientras hacía amistad con Richard Burton y mantenía un ojo atento en su consumo de alcohol.
Aunque recordó la “hostilidad abierta” entre Burton y el director Martin Ritt, creía que esto “alimentaba el sentimiento de alienación de Burton y daba fuerza a su actuación”.
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¿Adolescente?:
Aunque interpretando a un adolescente, Claire Bloom tenía en realidad 34 años, en el momento de la filmación.
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Liz Gold:
El nombre del personaje de Liz Gold de la novela ‘El espía que surgió en el frío‘ fue cambiado a Nan Perry (interpretado por Claire Bloom) para esta película.
Se considera que la razón de esto fue porque el actor principal Richard Burton estaba casado con la actriz Elizabeth Taylor en ese momento.
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Unos años de diferencia:
Alec Leamas debía tener 50 años, aunque Richard Burton tenía sólo 39 años en el momento de filmar.
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De Hans-Dieter Mundta a Karel Harek:
El personaje de Hans-Dieter Mundt (interpretado por Peter van Eyck en esta película) fue cambiado a Karel Harek, debido a Paramount Pictures tenía los derechos del nombre del personaje de esta película.
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De Burt Lancaster a Richard Burton:
Burt Lancaster fue llamado en un principio para interpretar a Alec Leamas.
Al final el papel se lo quedó el actor Richard Burton.
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En blanco y negro:
La única adaptación cinematográfica de una historia de John le Carré que ha sido totalmente filmada en blanco y negro.
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Graham Greene:
El autor Graham Greene dijo de la novela de John le Carré de 1963, que era “la mejor historia de espionaje que he leído“.
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John le Carré dijo en una entrevista con The Guardian el 13 de abril de 2013:
“Yo escribí ‘El espía que vino del frío‘ a los 30 años bajo estrés intenso, sin compartir, de manera muy personal y en extrema privacidad.
Un diplomático junior en la embajada británica en Bonn, yo era un secreto para mis colegas, y la mayor parte del tiempo para mí mismo.
Había escrito un par de novelas anteriores, necesariamente bajo un seudónimo, y mi servicio de empleo los había aprobado antes de la publicación.
Después de una larga búsqueda de conciencia, también habían aprobado “El espía que vino desde el frío”.
Hasta el día de hoy, no sé qué habría hecho si no lo hubieran hecho“.
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Bernard Lee:
Bernard Lee interpreta a un comerciante humilde.
Curioso que Lee actuara como como M en la más glamurosa franquicia de James Bond.
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Poco tiempo:
Esta película fue producida y estrenada aproximadamente 2 años después que la novela de John le Carré fuera publicada por primera vez en 1963.
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George Smiley:
El escritor John le Carré basó parcialmente su famoso personaje de George Smiley en una amiga, la tutora de Lincoln College y la Universidad de Oxford, la reverenda Vivian Green.
Smiley también se basó en el jefe de Le Carré en el MI5, Lord Clanmorris, quien escribió novelas policiales bajo el seudónimo de John Bingham.
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Martin Ritt y Richard Burton no se llevaron muy bien:
La fricción realmente ayudó a que Burton desarrolara su personaje, que muchos consideran uno de sus mejores.
Se cree que su antagonismo se debió a la irritación de Ritt por las constantes visitas de Elizabeth Taylor, en su segundo año de matrimonio con Burton.
Para hacer las cosas más complicadas, Claire Bloom y Burton habían tenido un romance varios años antes.
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Esta película fue nominada a dos Oscar, mientras que El topo(2011) fue nominado para tres y El jardinero fiel (2005) por cuatro, ganando uno.
La peli comienza con una serie de secuencias, como viñetas de cómic, con el jovenzuelo Harold (Bud Cort) intentando quitarse la vida de diferentes formas ante la indiferencia de su madre, la señora Chasen.
Su necrofilia es manifiesta y suele acudir a entierros y funerales.
En una de estas visitas conoce a la anciana Maude (Ruth Gordon), que a pesar de la costumbre que comparte con Harold, es una anciana vitalista y que viste con colores vivos que contrasta con el negro de su nuevo amigo.
Estas dos personas se complementan. Él posee la juventud y ella la vitalidad. Entre los dos conforman una persona optimista, si solo escogemos determinadas partes de su personalidad.
Entre ellos nace el amor…
Desde ese punto de vista podríamos hablar de una comedia romántica y negra.
Las situaciones cómicas son continuas, parten sobre todo de gags visuales y menos de los diálogos.
El director, Hal Ashby, no desaprovecha la ocasión para reírse de los militares, de los psiquiatras, de las citas por internet (aunque entonces no las había), de las actrices del método y de todo lo que se le pone por delante.
Para mí ha sido un muy agradable descubrimiento.
El director, Hal Ashby:
William Hal Ashby nació en Ogden, Utah, y se crió en una familia de origen mormón en una infancia que estuvo marcada por la desgracia.
Hal Ashby tuvo que presenciar el divorcio de sus padres y el suicidio de su progenitor.
Hal se casaría a una edad muy temprana, aunque se divorciaría posteriormente.
Poco después, Ashby se trasladaría de Utah a California donde encontró un puesto como ayudante de montaje.
Su eclosión llegaría en 1967 cuando ganó el Oscar al mejor montaje por su trabajo en En el calor de la noche.
Previamente había sido nominado por ¡Qué vienen los rusos, que vienen los rusos!
Su debut como director no llegaría hasta 1970.
Con Norman Jewison como mentor, Ashby dirigiría El casero.
A pesar de no ser propio de su generación, Ashby abrazó al estilo hippie, optó por el vegetarianismo y se dejó el pelo largo.
En 1970, se casaría con la actriz Joan Marshall, una relación que duraría hasta la muerte del director en 1988.
De todas maneras, la separación fue mucho antes y, de hecho, Marshall no pudo perdonar nunca a su marido que reflejara algunas de las intimidades de su relación en la película Shampoo.
En los 16 años de dirección, Ashby dirigiría numerosos films, incluidos Harold and Maude y la sátira social Bienvenido Mr. Chance con Peter Sellers, Shampoo con Warren Beatty o Esta tierra es mi tierra, una biografía de Woody Guthrie protagonizada por David Carradine y que fue el primer film en utilizar la Steadicam.
En 1978, Ashby lograría uno de sus mejores reconocimientos con el drama inspirado en la Guerra del Vietnam El regreso, protagonizado por Jane Fonda y Jon Voight.
Ashby recibiría su tercera nominación a los Óscar, la única en la categoría de la mejor dirección.
El éxito comercial de El regreso animó a Ashby para que fundara su propia productora: Lorimar.
Inmerso en una espiral de consumo de drogas, Ashby se convirtió en un hombre introvertido y excéntrico, encerrándose en su vivienda de Malibú, fumando marihuana y evitando comer delante de otras personas.
En la década de los 80, la filmografía se vio afectada por la excentricidad de su creador.
Así, Second-Hand Hearts y Lookin’ to Get Out (sus siguientes producciones) fueron un auténtico fracaso a nivel creativo y comercial.
Además, Ashby se presentaba con continuas amiguitas, cosas que empezaba a molestar a los productores.
De hecho, el colmo de esto fue cuando Ashby tardó casi seis meses en editar el videoclip de The Police Message in a Bottle.
Incluso, se barajó su nombre para poder dirigir Tootsie, aunque finalmente las negociaciones no llegaron a buen puerto.
Pero el colapso de salud le llegaría a Ashby durante el rodaje del documental de los Rolling Stones en la gira americana de la banda inglesa en Estados Unidos durante 1981: Let’s Spend the Night Together.
Sufrió un colapso cerebral y, aunque se recuperó y fue capaz de acabar el documental, no volvió a ser el mismo.
Sus proyectos posteriores The Slugger’s Wife, basada en un guion de Neil Simon, u 8 millones de maneras de morir, co-escrito por Oliver Stone, fueron unos auténticos fiascos de taquilla y crítica (ambas tienen una calificación de 0% en Rotten Tomatoes).
En los últimos años, Ashby dejó las drogas y buscó una imagen de creador venerable.
A pesar de estos esfuerzos, el mundo del cine no volvió a tomarlo en serio.
A esto se le añadieron problemas con su salud, hasta que se le diagnosticó un cáncer pancreático que rápidamente se le trasladaría a los intestinos y al colon.
Aunque confió en la medicina homeopática, Ashby moriría el 27 de diciembre de 1988 en su casa de Malibú.
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Curiosidades:
Hal Ashby tuvo la intención de filmar una escena haciendo el amor Harold y Maude, pero Paramount rechazó esta idea.
Cuando Maude y Harold roban la moto de la policía, Bud Cort se golpeó accidentalmente la cabeza con la pala, pero igual siguió su camino por el bien de la filmación.
Hay una escena eliminada en la que Maude pinta sonrisas en las estatuas en la iglesia.
Cat Stevens tiene una breve aparición.
Es el caballero barbudo que lleva un sombrero y un abrigo en un sermón delante de la tumba.
Lo marcos en la casa de Maude están vacíos.
En una escena eliminada Harold le pregunta por qué se quitaron las fotografía.
Maude le dice que se burlaban de ella porque sus imágenes permanecían nítidas, en cambio sus recuerdos se iban desvaneciendo.
Lo cual sugería que estaba padeciendo la enfermedad de Alzheimer o una forma similar de demencia.
Al considerar el papel de Harold, Bud Cort pidió la opinión del director Robert Altman, su mentor.
Altman advirtió que la estrella en ascenso Cort podría encontrarse a sí mismo para siempre encasillado.
Por esta razón, Cort rechazó el papel de Billy Bibbit en Alguien Voló Sobre el Nido del cuco (1975).
Harold y Maude (1971) fue representada un total de 1.957 veces desde mediados de 1972 hasta junio de 1974 en el Teatro Westgate en Edina, Minnesota.
En las escenas entre Harold y el psiquiatra, ambos usan la ropa a juego, hasta las corbatas y pañuelos.
Henry Dieckoff, que aparece como mayordomo de la señora Chasen, era el mayordomo real de Rose Court Mansión en Hillsborough, California, al sur de San Francisco, que sirvió como escenario para la mansión Chasen.
Bud Cort quería a Greta Garbo para desempeñar el papel de Maude.
Hay una escena eliminada en la que la señora Chasen habla con el maniquí de Harold, confundiéndolo con su hijo.
Llegó a salir, a finales de los noventa, el puesto nº 9 en la lista del American Film Institute de las 10 mejores películas del género “comedia romántica“.
En la película seescuchan varias canciones de Cat.
El presupuesto fue de 1.200.000 dólares.
El coche fúnebre que usa inicialmente Harold es un Cadillac Superior modelo 1.959 de 3 vías, que es uno de los más buscados entre los coches fúnebres por los coleccionistas hoy en día.
El Jaguar modificado como coche fúnebre fue destruido al final de la filmación y no existe ninguna réplica.
Mientras está viendo una puesta de sol con Harold, Maude ve una bandada de gaviotas y se refiere a Dreyfus. Alfred Dreyfus (1859-1935), un oficial judío del ejército francés, que fue injustamente condenado por traición en 1894 y sentenciado a cadena perpetua en régimen de aislamiento en Isla del Diablo (una colonia penal en la costa de la Guayana francesa).
Fue perdonado cinco años después, y finalmente exonerado cuando las pruebas contra él se demostraron falsas.
La conversación sobre Dreyfus coincide con Harold viendo el tatuaje del campo de concentración de Maude por primera vez.
Relaciona dos de los casos más infames del antisemitismo europeo institucionalizado de los siglos XIX y XX e implica que Maude había sido prisionera de un campo de concentración judío durante la Segunda Guerra Mundial .
Los tatuajes de números de serie fueron dados solamente (y en concreto) a los prisioneros en el complejo de Auschwitz (que incluía Auschwitz I [Main Camp], Auschwitz II [Auschwitz-Birkenau], y Auschwitz III [Monowitz y los subcampos]).
Presos en otros campos de concentración nazis no estaban tatuados.
Tampoco eran tatuados los prisioneros de Auschwitz que iban a ser exterminados inmediatamente y no eran destinados a trabajos forzosos.
